El poder del negro en el arte

EL COLOR NEGRO EN EL ARTE

Si existiera un trono para los colores en el mundo del arte, el color negro se sentaría sobre él. Esta entrada habla sobre el poder del negro en el arte.

“Alma negra”, “suerte negra”, “oveja negra” o “lista negra” Una vez más el color se adentra en nuestra vida más allá de nuestra consciencia. 

El color negro es, sin duda, el contrapunto a cualquier otra tonalidad. Capaz de combinarse con el resto de pigmentos de una manera que ningún otro color es capaz de hacer para aportar profundidad, perspectiva, o sombreado.

Además es clave para conseguir elementos tan sencillos pero a la vez tan determinantes en el arte como delimitar espacios a la hora de realizar dibujos.

mujer negro
La señora William Waters. 1825-1830. Ruth Henshaw Bascom. Galería Nacional de Arte de Washington D.C.

La artista Henshaw Bascom, experimentó con la delimitación de figuras trazando la sombra que los cuerpos proyectan por la luz de una lámpara o unas velas colocando el dibujo en la pared contraria. Para este juego de perfiles el negro se convierte en un recurso casi indispensable.




ORIGEN DEL COLOR NEGRO

La forma de obtener el color negro, puede que sea una de las más sencillas. Esto explicaría por qué podemos encontrarlo en las representaciones artísticas más antiguas.

Se trata de un pigmento orgánico, que se podía conseguir al quemar materiales como el hueso o la madera. Otro color negro de fácil acceso es el carbón, cuya mancha deja un rastro fácil de seguir.

El poder del negro en el arte
Roca de los Moros
Arte rupestre levantino. Cataluña

Además, este color fue el elegido para uno de los inventos que cambiaron la historia de la humanidad: la escritura. Su uso más antiguo se documenta en China en el tercer milenio a.C. Poco después, en el 2.500 a.C. también empezaba a usarse en el Antiguo Egipto. 

Dentro de ese ámbito destaca por encima del resto la tinta negra china que comenzó a utilizarse en el siglo III a.C y que posteriormente se extendió a Japón y Corea. Aunque también se usó el marrón, azul oscuro y el sepia, el ngro superó a estos colores en favoritismo. Estos colores se usaron  también para los tradicionales dibujos realizados en tinta según la técnica sumi-e.

vegeteción negro
Bambú de Ke Jiusi, año 1338.

Por otro lado, la propia escritura evolucionó superando su utilitarismo y adoptando la consideración de arte. En Japón se desarrolló el shodō. Una disciplina estricta y rigurosa que traza los caracteres o kanji, haciendo que el movimiento de la mano, el pincel y el trazo sobre el papel sean tan importantes como el resultado final.

shodo kanji negro
Exemplo de caligrafia contemporánea: Primer viento de la primavera (春一番 haruichiban) por Keisui Ishikazi

LA ANTIGÜEDAD Y EL COLOR NEGRO

Al igual que el resto de colores, el negro no tuvo siempre las connotaciones negativas que hoy le otorgamos. De hecho en Egipto era usado para referirse a la fertilidad. Tal vez por el lodo que las inundaciones del Nilo hacían que cada año los egipcios tuvieran una buena cosecha. 

Anubis, el guardián de las tumbas y la vida después de la muerte era representado como un hombre con cabeza de chacal negro. Se cree que la elección de este color tiene que ver con la putrefacción de los cuerpos pero también con la tierra fértil a la que nos hemos referido, símbolo de resurrección.

El poder del negro en el arte
Anubis

Si viajamos a Grecia, vemos que el negro pudo estar asociado al inframundo, la muerte o la maldad. Sin embargo, no es el único uso que se le da al color. Una de las prácticas artísticas en las que el negro es protagonista son las cerámicas de figuras negras.

El poder del negro en el arte
Ánfora de Exequias. Aquiles y Áyax el Grande participando en un juego de mesa, c.540-530 a. C., Museos Vaticanos, Ciudad del Vaticano.

VARIEDAD DE SIGNIFICADOS

El negro es el color de la elegancia, la autoridad y el poder.

Lo podemos comprobar en las túnicas de los magistrados o en los trajes de noche.

Felipe II vestido de negro
Felipe II. Sofonisba Anguissola, 1565. Museo del Prado

Un ejemplo lo tenemos en el conocidísimo retrato que Sofonisba Anguissola realizó de Felipe II. El color elegido para representar a uno de los hombres más poderosos de mundo en ese momento no es otro que el negro. El negro usado por Felipe II era un potente tinte proveniente de la planta Palo Campeche, presente en la península del Yucatán.

España administraba el monopolio de este pigmento por lo que pronto se convirtió en el color de la monarquía española, la más importante de la cristiandad. 

La tendencia perduró hasta siglos después en los que París se convertiría en el centro de la moda con colores pasteles, desterrando los colores oscuros y serios.

Si volvemos al cuadro, la artista se sirve de este tono para reflejar los valores austeros y autoritarios propios de este monarca. En el siglo XVI en España, gracias a la preferencia del rey por este color, se convirtió en uno de los preferidos entre la nobleza ya que lo asociaban con el poder, la dignidad y el refinamiento cultural.

OTROS SIGNIFICADOS

Por paradójico que parezca, el negro también es el color de la sumisión. Tanto es así que en muchas ocasiones la vestimenta de las personas que trabajan tiene tintes negros.

Como los camareros o limpiadoras domésticas. Con este color se pretende una neutralidad y sumisión que ya nos es conocida y que entra dentro de nuestro imaginario colectivo.

El poder del negro en el arte
Madre de Whistler o Retrato de la madre del artista. 1871. James McNeill Whistler.  Museo de Orsay , París

Otro de los significados que no podemos obviar es el de la muerte. El negro es el color del luto en occidente. Color que significa la ausencia de luz y por lo tanto de vida. Nos recuerda la cara amarga de la vida y la llegada inevitable de la muerte.

En concreto en España el negro se oficializó como símbolo de luto a partir del siglo XVI. Hasta entonces, como herederos del imperio romano, el blanco era el color que se utilizaba para hacer referencia a la muerte. Sin embargo a partir de la muerte del hijo de los Reyes Católicos, el príncipe Juan en 1497, el negro se eligió como muestra de respeto y de dolor.

mujer vestido negro
Retrato de Berthe Morisot. 1872. Edouard Manetl. Museo de Orsay

Manet pinta a su cuñada, la artista Morisot, de luto por el funeral del padre del francés. En general los impresionistas no fueron muy dados a este color. Preferían los colores vivos que representaran la luz. Sin embargo en esta ocasión, Manet concentra toda la atención en su figura que, en negro, parece sobre salir del fondo.

De esta forma, con trazos sencillos y una elección de colores limitada, consigue plasmar la fuerza de la retratada que mira directamente al espectador y parece acercarse a él. 

EL NEGRO Y EL DRAMATISMO

Hablar del negro significa crear profundidad, dramatismo, misticismo e intensidad hay que nombrar a Caravaggio.

El italiano usó este color de manera magistral. Se valía de él para crear el claroscuro, inspiración para cientos de artistas que le siguieron Con el negro consigue dotar al cuadro de una atmósfera agobiante y misteriosa dotando a las figuras de una gran relevancia.

El poder del negro en el arte
Narciso. 1597-1599. Michelangelo Caravaggio. Galería Nacional de Arte. Roma

EL NEGRO Y LA REFORMA PROTESTANTE

El negro tuvo mucho que ver con la reforma protestante. 

Y es que Calvino y Lutero, críticos con la riqueza y poder de la Iglesia católica, al iniciar sus propios caminos religiosos optaron por el negro para sus nuevos ordenantes.

Frente a los colores llamativos como el rojo, verde o morado, así como la opulencia del dorado, los protestantes reivindican la sencillez y austeridad del color negro.

Esta diferencia sobrepasó las iglesias y llegó al arte. Un ejemplo lo encontramos al comparar el uso de colores y temas entre Rembrandt (protestante) y Rubens (católico).

En los países católicos triunfa el retrato y los temas bíblicos y mitológicos. Con ello se pretende enaltecer el poder absoluto y la importancia de la nobleza.

María de Medicis
Retrato de María de Medicis. 1622. Pedro Pablo Rubens. Museo del Prado

Por el contrario, en países protestantes la pintura religiosa pierde importancia, como también aquellos en los que sale la nobleza o la mitología. Son los burgueses los que toman el relevo y se decantan por retratos tanto individuales como en grupo, con un tamaño menor, adaptado a sus viviendas.

Lección de anatomía
Lección de anatomía. 1632. Rembrant. Mauritshuis, La Haya

LA OSCURIDAD FRENTE A LA VIDA

A partir de la Edad Media el color negro ha sido la representación del mal. En contraposición con el blanco que significaría la llegada de la luz. Este mal puede estar relacionado con el pecado, pero también con el mal emocional por lo que es un color frecuentemente utilizado para simbolizar la pena.

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Flores en jarrón de cristal con tulipán. 1719. Rachel Ruysch. National Gallery

La artista neerlandesa Rachel Ruysch, especializada en bodegones, realizó una serie de pinturas en las que la frondosidad y la vida de las flores se enmarcaban en un fondo negro e indefinido. Los colores de las flores parecen querer vivir frente a la oscuridad que les rodea.

Con la llegada de la revolución industrial el negro se vinculó con la contaminación que ahora manchaban las grandes ciudades, llenas de carbón y aceite. También se eligió para pintar la miseria propia de una época en la que las clases más humildes soportaron grandes penurias.

Comedores de patatas
Comedores de patatas. 1885. Vicent van Gogh.  Museo van Gogh, Ámsterdam.

GOYA: EL MAESTRO DEL NEGRO

Dentro de la historia del arte, las pinturas negras de Goya son el mayor ejemplo del poder de este color para transmitir desasosiego, tristeza y abatimiento.

Estas obras se distribuían en las paredes de la Quinta del Sordo, la villa a la que Goya se retiró antes de marchar a Burdeos. Esta se situaba a orillas del Manzanares y frente a la pradera de San Isidro y contaba con dos plantas.

ROMPIENDO ESQUEMAS

Francisco de Goya, conocedor de las costumbres de su época, traspasa la norma y usa sus conocimientos de forma sátira y amarga. Un ejemplo de ello lo encontramos en la planta de abajo, donde en principio debía estar el comedor. Las escenas que aquí debían colocarse estarían relacionadas con el entorno, las reuniones y la gastronomía.

El artista respetó esta costumbre, pero le dio un giro cargado de ironía y fatalidad. Incluyó Saturno devorando a un hijo y Dos viejos comiendo sopa así como Judith matando a Holofermes tras invitarle a un banquete. Las reuniones y el entorno que rodea a la casa también están presentes, pero las vemos en forma de Aquelarre.

El poder del negro en el arte
El Aquelarre. Pinturas Negras. Francisco de Goya. 1821-1823. Museo del Prado

Una de las pinturas en las que mejor se puede apreciar la diferencia a la hora de abordar la misma escena en dos momentos diferentes es la Romería de San Isidro. 

Goya ya había pintado la Romería de San Isidro años atrás, en 1788. Sin embargo hay un cambio absoluto y a diferencia del cartón para tapiz en el que se muestra la escena de forma agradable y bucólica, en su casa, años después representa la romería con desasosiego y por supuesto, cambiando la atmósfera a través de la expresión y el color.

Pradera
Pradera de San Isidro, 1788. Francisco de Goya. Museo del Prado
Romería Goya
Romería de San Isidro. Pinturas Negras. Francisco de Goya. 1819-1823. Museo del Prado

En ambas pinturas vemos a una multitud en un entorno natural. Sin embargo en la segunda los personajes se apelotonan, desfiguran y deshumanizan como si formaran parte de una pesadilla.

De cualquier forma vemos figuras descentradas, mucho espacio vacío y el uso del negro para acentuar el dramatismo y la muerte de la luz.

LOS PORQUÉS DE GOYA Y EL NEGRO

Se ha comentado la situación personal de Goya, que enfermo, mayor y decepcionado por la situación política del país, recurre como tantos artistas, a la pintura, para expresarse.

En un espacio íntimo, su casa, deja salir la visión pesimista que llevaba dentro. Recrea personas con los ojos desorbitados, caricaturizados y rodeados de monstruos y animales grotescos.

Sabiendo esto no nos extraña que recurra al color más oscuro de la paleta. Aunque también echa mano de los ocres, los grises y los colores tierra, predomina el negro. Necesario para huir de la belleza y la alegría y adentrarse en lo feo y lo terrible. Hace de su casa un refugio en el que prima la vejez, la muerte y el caos.

El poder del negro en el arte
Saturno devorando a su hijo. 1829-1823. Pinturas Negras. Francisco de Goya. Museo del Prado

ARTE CONTEMPORÁNEO

En la actualidad el color negro sigue vigente. 

Como no, debía estar presente en la pintura abstracta. La fuerza de este color puede significar todo y no dejar indiferente a nadie. Algunos de los calificativos que se le han dado es “atemporal, sin espacio, inmutable, ideal, trascendente…”

Cuadro negro
Ad Reinhardt. 1963. MoMa

Lo que está claro es que el color negro demuestra que a pesar de su oscuridad y el peso del pasado, se puede convertir en la llave que sigue abriendo la elegancia y la profundidad de significados.

Se trata de un color poderoso, que tanto en la paleta del artista como a la vista, contamina todo lo que toca. Pero esto no tiene por qué ser malo. Su presencia, como hemos explicado, llena de profundidad la gama de colores y nos acerca a espectros de la vida humana que muchas veces queremos dejar atrás pero que por reales, no podemos evitar.

El poder del negro en el arte
Salpicaduras Negras. Pollock.

UN COLOR PARA CAMBIAR EL MUNDO

Si nos preguntamos qué fue del negro más allá de la antigüedad clásica y el devenir de los tiempos, el negro sigue teniendo historia.

Una vez pasadas las guerras mundiales el mundo quería volver a vivir. Podría pensarse que después del horror vivido el negro no tendría cabida en este nuevo mundo. Pero encontró su lugar.

La vida del negro vuelve a surgir en los años 50 , cuando el movimiento por los derechos de los afroamericanos lo revidnica y lo considera un color de protesta y rebeldía. Se convirtió en el slogan del Black Power que llegó a la década de los 60 y los 70.

Por desgracia el color negro está íntimamente ligado al racismo. No solo por el color de la piel sino dentro del mismo lenguaje. «Ponerse negro, trabajar como un negro, la mano negro, la oveja negra, el mercado negro…». Todas estas expresiones tienen connotaciones negativas asociadas a este color.

Más allá del simbolismo este color representa una historia silenciada que busca su lugar y que merece un análisis mayor.

Poder negro
Logotipo del Black Power

EL NEGRO EN LA MODA

Por último no podemos hablar de este color sin hablar de la presencia del negro en la moda. Y siguiendo con esta cadena. El negro en la moda tiene un nombre y ese es Coco Chanel.

Consiguió que un color de servidumbre o que se usaba para pasar desapercibido se convirtiera en sinónimo de elegancia y status.

Para Chanel el negro era el color clave para evidenciar otras piezas como los detalles en los cuellos, mangas o accesorios. Pero incluso sin ellos conseguía que los vestidos en este color gozaran de elegancia e inteligencia.

Coco Chanel
Coco Chanel

Chanel abolió modas que hasta ese momento seguían vigentes como el corsé. Quiso que la ropa femenina fuera sensual pero cómoda. Acortó faldas y redujo volantes y entendió que el negro era la base de un lienzo para pintar sobre él a la mujer que en cada caso quisiera ser.

Como puede verse el poder del negro en el arte ha sido poderoso a lo largo de toda la historia, pero lo interesante es que sigue vivo. De hecho el negro es un color imprescindible.

Cuadro negro
El Matrimonio de la razón y la miseria. 1959 Frank Stela. Moma

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