El arte de la pintura

COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DE EL ARTE DE LA PINTURA

ANÁLISIS FORMAL

El arte de la pintura se divide en tres franjas verticales. De izquierda a derecha, el primer tramo está presidido por el cortinaje; en el centro, la imagen de la modelo, y a la derecha, el pintor.

Esta individualización de las figuras y los objetos permite crear una composición segmentada, si bien, por medio de la luz, la escena queda unificada. El punto de fuga se sitúa bajo la mano derecha de la modelo, consiguiendo, así, que la mirada del espectador se dirija directamente a la figura femenina.

La luz es verosímil e ilumina la estancia desde una ventana que no se ve, pero que se intuye. Vermeer utiliza pinceladas diferentes, gruesas en los cortinajes, las sillas y la luz, y más diluidas en el resto del cuadro.

Los colores utilizados son el amarillo limón, el azul, el gris perla, el negro y el blanco que, mezclándose, creen una atmosfera intimista. En su conjunto, la escena es de una gran teatralidad, a pesar de que, en este caso, sea un teatro sin público ya que el espectador, situado detrás del pintor, se integra en el escenario, al nivel de la cortina, y se convierte en una especie de voyeur, es decir, alguien que ve sin ser visto.

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO

La figura femenina del fondo del cuadro ha estado identificada como Clío, musa de la Historia. Vermeer sigue la descripción de Cesare Ripa en su tratado Iconología, que la describe con el libro del historiador griego Tucídides en un mano, una trompeta en el otro y coronada con hojas de laurel. A partir de esta identificación iconográfica, se ha sugerido que el significado del cuadro es el deseo del pintor de alcanzar la fama y la gloria, y de perpetuarse en el libro de la Historia.

No obstante, es necesario tener en cuenta el mapa de los Países Bajos, en el fondo de la escena, que se ha identificado con el mapa de Claes Jansz Vischer, donde se representen las dieciocho provincias de los Países Bajos bajo la dominación española antes del Tratado de Münster (1648) que otorga la independencia a Holanda.

Si esto se añade la luz del techo coronado con el águila bicéfala de los Habsburgo, y el vestido del pintor a la moda de Borgoña del siglo XVI, también se puede concluir que el pintor hace un homenaje en la monarquía, en su deseo de ser pintor de un rey antes que de un burgués adinerado. Sin embargo, el vestido, el mapa y la luz se encuentran en otras obras de pintores holandeses y del mismo Vermeer, cosa que dificulta la veracidad de esta última interpretación.

Sobre la mesa hay una máscara y un libro abierto, que pueden ser interpretados de maneras diversas: la máscara como símbolo de la imitación, es decir, de la pintura o la escultura, o bien como máscara teatral de la musa de la Comedia, Talia; el libro como un libro de trazos arquitectónicos o como partitura musical.

Así el significado del cuadro puede ser visto como paragone, es decir, como competición entre la pintura y las otras artes, o bien como un homenaje en las Bellas Artes o como una alabanza a las artes en general, incluyendo el teatro y la música.

Finalmente, siguiendo la historiadora del arte Svetlana Alpers, que considera que, la pintura holandesa es el arte de describir, se podría afirmar que el cuadro crea una nueva realidad a medio camino entre el espacio físico, taller del pintor, y el espacio metafísico, el cuadro.

CURIOSIDADES

El estudio del pintor ha estado un tema recurrente en la historia de la pintura. Entre muchos otros, hace falta destacar insignes pintores barrocos como Rembrandt o Velázquez, quien se autorretrató en su famoso cuadro Las Meninas. Ya en el siglo XIX, sobresalen los autorretratos de Goya y Courbet. Este último se pinta envuelto de sus modelos y amigos en el cuadro El taller del pintor.

En el siglo XX, Picasso realiza múltiples versiones de un mismo tema: El pintor y la modelo. Sin embargo, eso que diferencia el cuadro de Vermeer es el uso de una figura alegórica, delante de la realidad pintada por los autores mencionados. Todos, pero, tienen en común la defensa y la exaltación de la pintura en la figura del artista.