COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DE LA DIAGONAL DEL 25 DE MAYO
CONTEXTO HISTÓRICO
A principios de la década de 1960 en Nueva York y Los Ángeles comenzaron a exhibirse en galerías de arte y posteriormente en museos una serie de obras realizadas con materiales hasta el momento inusuales para el ámbito artístico.
Materiales que a menudo se asociaban con la industria, con lo seriado y lo masivo paulatinamente conquistaron de un modo muy diferente. Así fue como estructuras simples de aluminio, madera o metal, ladrillos apilados, cajas de plexiglás o acero se presentaron como nuevas propuestas artísticas.
Si bien estas obras compartían aspectos con la pintura y escultura no eran ninguna de estas dos, por el contrario cuestionaron los postulados de ambas prácticas.
La idea de cuadro como objeto desinteresó a muchos artistas jóvenes de la época por su naturaleza ilusionista. Lo metafórico de la escultura, su simbolismo y referencias a cuestiones exteriores a sí misma fueron aspectos radicalmente rechazados por esos artistas que posteriormente serían llamados minimalistas.
Algunos de ellos fueron Carl André, Dan Flavin, Donald Judd, Sol Lewitt y Robert Morris, quienes reformularon los modelos establecidos en la pintura y la escultura.
Apostaron por propuestas ligadas a la percepción que se tiene de un objeto en un determinado contexto y a la experiencia resultante, modificando así el rol del espectador, dándole ahora gran importancia a las reflexiones generadas gracias a esa experiencia.
Sin utilizar pedestales o pies, sus “objetos específicos”, como los llamó Donald Judd, se unían con el espacio, se adaptaban al mismo y a menudo fueron construidos para un sitio específico, teniendo en cuenta las particularidades edilicias del espacio de exhibición.
Para encontrar el origen de este radical cambio de perspectiva debemos retroceder una década y observar los primeros trabajos de artistas pop. Ya desde 1950 Jasper Johns con sus Targets y Robert Rauschenberg con sus Combines desafiaron el Expresionismo Abstracto reinante del momento.
Sus obras-objetos eran una suerte de collages de imágenes y materiales que compartían el mismo soporte. Por su parte, Frank Stella, artista considerado pre minimalista, desarrolló pinturas que posteriormente tendrían un papel fundamental en el minimalismo.
Su simplicidad compositiva y la débil huella del gesto del artista ya cuestionaban la herencia pictórica. Tanto el pop como el minimal utilizaron materiales de factura seriadas, el ready made fue a la vez técnica y estructura.
La serialidad fue indicadora de la producción y consumo propios del capitalismo, penetrando de este modo en la esfera del arte, la cual se vio influenciada por los medios masivos de comunicación, la publicidad y el consumo de masas.
Dan Flavin es uno de los artistas considerados minimalistas debido a su uso de materiales industriales, repeticiones y elementos modulares. Basándose en sus bocetos no deja lugar a la improvisación ni deja ver gesto personal.
ANÁLISIS FORMAL
El día 25 de mayo de 1963, Dan Flavin tuvo una revelación artística al colgar diagonalmente un tubo de neón en una pared de su estudio. A partir de allí comenzó a emplear exclusivamente tubos de neón dispuestos con diferentes grados de complejidad.
Para él era importante el uso del ready made a fin de que el espectador pueda enfocarse en la experiencia de estar frente a la luz en vez de observar la luz en sí misma.
Todas sus obras tienen la misma lógica de no titulación, indicando sin título y luego entre paréntesis dedicatorias a otras personas o eventos que fueron importantes para él, en este caso la fecha de revelación artística y su admiración por el escultor Constantin Brancusi.
ANÁLISIS ICONOGRÁFICO
El empleo de la luz genera cierta percepción que podría remitir a lo espiritual pero el artista niega toda referencia metafísica o simbólica. Su propuesta no representa nada ni remite a nada por fuera de sí misma, es lo que se observa, los elementos están dispuestos de modo claro.
Hay cierta identidad en los materiales en sí mismos y los efectos que este genera, así cualidades como transparencia, dureza o espesores brindan resultados no objetivos.
La luz involucra tanto la arquitectura y como al espectador, ambos se ven rodeados sin intermediarios. Ya no se está delante de un objeto a contemplar sino que el espectador se siente parte de la situación perceptible, teniendo así una posición totalmente activa.
Este efecto se potenció gracias al uso unas bombillas diferentes a las de filamento metálico tradicionales, esos tubos fluorescentes se fabricaban mediante una reacción química específica dentro de la bombilla, logrando así colores muy difíciles y brillantes.
El interés del artista estuvo en el concepto de la luz, su funcionamiento y la forma en que se percibe, unificando de este modo luz, arquitectura y espectador.
BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA
JUDD, Donald: “Objetos Específicos” Arts Yearbook 8, 1963.
FOSTER, Hal: “El quid del minimalismo”, Retorno de lo real. La Vanguardia a finales de siglo. Madrid, Ediciones Akal, 2001, pp.39-72.
MARZONA, Daniel: Arte minimalista. Colonia 2004.
FUNDACIÓN PROA. (2019). Minimalismo, postminimalismo y conceptualismo / 60 – 70. [https://www.youtube.com/watch?v=Wxj0Zjft7dM]. Buenos Aires, Argentina.
