COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DE LAMENTACIÓN SOBRE CRISTO MUERTO
ANÁLISIS DE LA OBRA
Giotto fue un adelantado a su tiempo, siendo sus obras un buen exponente de semejante afirmación. Nació en Colle di Vespignano-un pueblo cercano a Florencia- y su fecha de nacimiento aún sigue siendo motivo de controversia al igual que la datación de mucha de sus pinturas.
Tuvo como maestro al célebre pintor Cimabue, el cual lo acogió como discípulo. Así se fue labrando un nombre y fama, recibiendo distintos encargos de personajes ilustres como príncipes, por ejemplo.
Este artista realizó tres grandes ciclos de frescos; uno de ellos muy polémico ya que se duda de su autoría, se trata de los frescos de La Vida de San Francisco en la Basílica de San Francisco de Asís, representado por 28 escenas de la biografía del santo.
También trabajó en la Santa Croce alrededor de 1320; y finalmente otra serie de frescos en la Capilla de los Scrovegni, la cual alberga este genial ejemplo del genio de Giotto y tenía como fin la redención de los pecados del padre de Enrico Scrovegni, la persona que encargó dicha empresa formada por 38 escenas del Evangelio dividido en tres registros que se superponen.
La imagen pintada representa el momento en que alojan el cuerpo de Cristo en el sepulcro del huerto donde fue crucificado. Dicha escena aparece recogida en el Evangelio de San Juan y podemos apreciar una gran multitud de detalles y comportamientos por cada personaje.
Llaman la atención los dos personajes que se sitúan en el borde del margen derecho y que en una primera instancia parecen no participar en ese llanto o lamentación colectiva, pero si se observa detenidamente podemos advertir una actitud tan humana y naturalista como es el reprimir un sentimiento o pena, siendo posible conectar dicha instantánea con las celebraciones funerarias del momento que muy seguramente Giotto frecuentaba para valerse de toda esa gama gestual que luce en el fresco.
Igualmente interesante son otras actitudes como la figura femenina que sujeta por las muñecas al fallecido Cristo.
Cerca de ésta se encuentra una figura que lleva sus brazos hacia atrás de una manera violenta, correspondiendo a la gravedad de la situación. La Virgen plasma su dolor juntando las palmas de sus manos y llevándoselas hacia las mejillas en un claro acto de desolación al ver el cuerpo sin vida de su hijo.
Es increíble la capacidad de Giotto para impregnar de dolor los rostros de cada una de las figuras que se muestran realmente afligidas por la significación de su pérdida. La parte superior cuenta con la presencia de los ángeles, éstos se contorsionan, lloran, y se tiran de los cabellos.
Por otro lado, el fresco divide la estancia superior e inferior mediante una montaña o ladera que asciende diagonalmente hacia la derecha y está rematado por un árbol sin hojas que puede aludir a la muerte de Cristo.
Todo esto en un ambiente seco y austero, formando todo un escenario para reforzar la escena sagrada aunque pueda pasar perfectamente por una mundana. Utiliza contrastes de colores al usar el rojo y el azul-ambos muy empleados en su obra-, siendo armonizados por la luz.
Esa división diagonal de la escena a través de una montaña puede recordar al mismo recurso empleado por Lorenzo Ghilberti para una de las placas que presentó para el concurso que adjudicaba la realización de la Puerta del Paraíso del baptisterio de la Catedral de Florencia y que representa el sacrificio de Isaac.
Analizando lo anterior, queda claro que la expresión oral de las figuras de Giotto se manifiesta mediante los gestos y actitudes que anteriormente hemos comentado. Se trata de algo ya conocido en el pasado, especialmente en época clásica-véase el Augusto de Prima Porta– y que Giotto dominó a la perfección.
Otro factor importante para comprender esta obra en particular, y el resto de su obra en general, es la influencia de la escultura en sus trabajos. Si se observa nuevamente el fresco puede apreciarse que sus formas adquieren rasgos propios de la escultura. Los conceptos de volumen y peso están patentes en sus distintos encargos, y más aún en 1305-1306 cuando disfrutaba de una etapa de madurez artística.
Por otra parte, existe una tridimensionalidad que viene dada, precisamente, por esas características escultóricas de los personajes de su pintura. Consigue así una clara espacialidad y desarrolla además una perspectiva que en el futuro será más conocida y trabajada por los artistas italianos del siglo XIV.
En definitiva todo esto hace de Giotto el artista más importante del Trecento italiano y a la vez un precursor directo de la pintura moderna, sentando las bases de lo que será la evolución pictórica y que se llevará a cabo durante el renacimiento.
Sus principales logros son esas composiciones realistas, conseguidas por el manejo de elementos y modelos arquitectónicos, alejándose del modo de hacer griego y apostando por un naturalismo basado en la voluptuosidad de sus figuras mediante volúmenes, tridimensionalidad y perspectiva.
Coloca sus figuras en el espacio, además de ser un excelente escenógrafo a la hora de interactuar los distintos personajes entre ellos. Es patente la existencia de una gran narratividad en toda su pintura.
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2 respuestas a «Lamentación sobre Cristo muerto»
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