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Arquitectura

Villa Capra

COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DE VILLA CAPRA (LA ROTONDA)

RENACIMIENTO

La Italia renacentista era un mosaico político formado por pequeñas ciudades, como  Florencia o Milán, dominadas por algunas familias de aristócratas o de banqueros. En  este contexto, en los Estados Pontificios, el papa Nicolau V del 1447 al 1455 reformó la  ciudad de Roma y mandó la construcción de la basílica de San Pedro. 

En el siglo XVI, las continuas luchas entre Francisco I de Francia y el emperador Carlos  V convirtieron Europa en un campo de batalla. Este conflicto tuvo también grandes  repercusiones en Italia, porque el soporte del papa al monarca francés provocó el asalto  de la ciudad de Roma por las tropas imperiales del año 1527, conocido como il saco di  Roma. Este hecho fue la causa principal de la decadencia del papado y de la posterior  dispersión de pintores, escultores y arquitectos. 

En el siglo XVI, con posterioridad a il saco di Roma, el Renacimiento se extendió por  toda Europa a través de los llamados artistas vagi (viajeros) y gracias a los contactos y  a los viajes de artistas de toda Europa a Italia. Se desarrollan así nuevos centros  artísticos, como la escuela alemana, la escuela flamenca o la escuela inglesa. 

Los arquitectos del siglo XVI también tienen un gran interés por la normativa clásica. Se  escriben tratados de arquitectura, como los de Sebastiano Serlio, Jacopo Vignola y  Andrea Palladio, influidos claramente por los tratadistas antiguos, entre los cuales  destaca Vitruvio, así como por el análisis y el estudio de los monumentos de la  Antigüedad romana. Una de las características más importantes de estos tratados fue  la inclusión de imágenes que completan las descripciones escritas. 

Aunque se trata de una obra renacentista, algunos autores señalan que presenta ciertos  matices manieristas en su libertad compositiva y en la ruptura con la fachada principal  tradicional. Por ello es necesario explicar el periodo manierista.

MANIERISMO

El Manierismo se caracteriza por la ruptura con la normativa clásica, por la alteración de  la morfología de los órdenes arquitectónicos establecidos y por una arquitectura  experimental, tanto en los planteamientos escenográficos como en la voluntad  antifuncionalista.

El Manierismo es, en definitiva, un arte aristocrático ligado a las cortes  europeas que, después del Concilio de Trento y en relación con el poder de la Reforma  católica, se convirtió en el espacio ideal para la nueva liturgia.

ANDREA PALLADIO

Andrea Palladio

Ahora pasamos a hablar sobre el arquitecto Andrea di Pietro della Gondola, nombrado Andrea Palladio en honor a la diosa griega Palas Atenea erudito de la arqueología y  fascinado por la antigüedad clásica y por la simetría, fue el primer profesional dedicado  en exclusiva a la arquitectura.

Las reglas y las proporciones que plasmó en su tratado I Quattro Libri dell’Architettura  del 1570 fueron aceptadas como canon clásico de la arquitectura civil. Sus edificios presentan algunos rasgos manieristas, y por eso Palladio fue considerado  impuro por los teóricos del Renacimiento y por las arquitecturas del Neoclasicismo.

ANÁLISIS FORMAL

En la Villa Capra, más concretamente en el exterior, presenta un perfil idéntico en todas las cuatro fachadas, cada una de las cuales se articula a partir de unas escalinatas pronunciadas que conducen hacia un pórtico de seis columnas de orden jónico, con el entablamento correspondiente y frontón triangular rematado con una estatua en cada vértice.

En el centro del edificio se levanta la cúpula que cubre la sala circular central de la mansión.

Cúpula de la Villa Capra

Dicha arquitectura se estructura sobre una planta simétrica en forma de cruz griega, por el hecho de que al cuadrado de la construcción se añaden cuatro pórticos.

Además, en el centro podemos encontrar la gran sala circular que hace de eje distribuidor de las habitaciones y de las dependencias que lo rodean.

Los dormitorios están ubicados en los cuatro ángulos del edificio. En los sótanos se encuentra la cocina y salas de la administración general de la casa.

La sala central, cubierta por una gran cúpula rematada con un óculo, esta decorada con vigorosos frescos hechos por diferentes pintores italianos de la época. La iluminación natural de esta sala central es un poco deficiente, porque aparte del óculo, la luz solo entra a través de los cuatro pasillos que convergen.

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO

Villa Capra
Villa Capra

Por una parte, refiriéndonos al entorno e integración urbanística podemos mencionar que esta edificación esta situada sobre una pequeña colina en medio del campo, las cuatro fachadas se orientan en los cuatro puntos cardinales.

Esta disposición permite que, desde la planta noble, los propietarios puedan aprovechar al máximo la vista privilegiada del entorno natural que les rodea.

Por otra parte, refiriéndonos a la función, el contenido y el significado de esta obra podemos mencionar que la Villa Capra fue construida por el disfrute particular de su propietario, el poderoso clérigo Marius Capra Gabrielis, el nombre del cual se encuentra escrito en los frisos de los cuatro pórticos.

La casa también es conocida popularmente con el nombre de la Rotonda, a causa de la espectacular sala circular central, cubierta por la gran cúpula semiesférica construida por el arquitecto Vincenzo Scamozzi entre el 1580 y el 1591, y que alteró el diseño inicial de Palladio.

Siguiendo los principios renacentistas, Palladio reprendió el estilo arquitectónico de los templos romanos y lo aplicó a edificaciones civiles, iniciando así la recuperación de las antiguas villas romanas, eran las residencias campestres lujosas alejadas de las ciudades, desaparecidas después de la caída del Imperio Romano.

MODELOS E INFLUENCIAS

El modelo de referencia en la arquitectura paladiana es la antigüedad clásica, presente  en el parecido entre las fachadas de los templos romanos y las cuatro fachadas porticadas de la Villa Capra. Igualmente, la cúpula centralizada parece que coja como  referencia la del Panteón de Roma, que también muestra un óculo central. 

La Villa Capra fue el modelo de la Chiswick House de Lord Burlington, ejemplo del  neopaladianismo inglés. Desde Inglaterra, Palladio también tuvo una gran aceptación a  los Estados Unidos, tanto en las casas residenciales del sud, como en los edificios  públicos construidos en el siglo XIX. Su faceta como teórico también fue muy importante,  y su tratado I Quattro Libri dell’Archittetura se convirtió en un canon para la arquitectura  occidental posterior y en un referente básico para el conocimiento de la arquitectura de  la Roma clásica. 

PROCESO DE CONSTRUCCIÓN

El proceso de construcción de la Villa Capra La Rotonda se desarrolló en varias etapas  a lo largo de la segunda mitad del siglo XVI. Primero se levantó la estructura central de  planta cuadrada, concebida para sostener una sala circular cubierta por una cúpula. Posteriormente se añadieron los cuatro pórticos con columnas, que dieron al edificio su  apariencia perfectamente simétrica y orientada hacia el paisaje. Las fases finales se  dedicaron a completar la cúpula y a rematar los elementos decorativos, dejando la villa  con el equilibrio y la armonía propios del Renacimiento. 

Aunque la Villa Capra es una obra plenamente renacentista por su uso de la proporción,  la simetría y los modelos clásicos, también rompe con la tradición renacentista al  presentar cuatro fachadas idénticas y un diseño completamente simétrico concebido  para integrarse con el paisaje. 

CURIOSIDADES

Existen algunas curiosidades y aspectos destacados que permiten comprender mejor la  importancia de Almerico Capra, conocida popularmente como La Rotonda. Uno de los  elementos más significativos del edificio es su cúpula central, claramente inspirada en  el Panteón de Roma. Andrea Palladio tomó como referencia la gran sala circular del  templo romano y la adaptó a una residencia privada, algo poco habitual en el siglo XVI. 

Esta decisión no solo supuso una innovación arquitectónica, sino que también tuvo un  fuerte contenido simbólico. La cúpula representa la perfección geométrica, la armonía y el orden racional, principios fundamentales del Renacimiento, y establece un vínculo  directo entre la arquitectura renacentista y la Antigüedad clásica. 

El impacto de la Villa Capra fue enorme y trascendió ampliamente su contexto original.  Su diseño se convirtió en un modelo a imitar y tuvo una influencia decisiva en la  arquitectura europea y americana. Inspiró mansiones aristocráticas en Inglaterra,  edificios públicos y gubernamentales en Estados Unidos y numerosas residencias y  palacios en Europa. A partir de este modelo se consolidó el llamado estilo palladiano,  que llegó a definir buena parte de la arquitectura neoclásica. Incluso edificios tan  emblemáticos como la Casa Blanca incorporan elementos claramente derivados de este  lenguaje, como la simetría, el uso de órdenes clásicos y la referencia a la arquitectura  de los templos antiguos. 

Otro aspecto interesante es el nombre del edificio. Aunque hoy se la conoce casi  universalmente como La Rotonda, su nombre oficial es Villa Almerico Capra, en  referencia a la familia Capra, que heredó la propiedad tras la muerte de su primer  propietario. El apodo “La Rotonda” surgió de forma natural debido a la sala central  circular y a la cúpula, que se convirtieron en los rasgos más reconocibles del edificio.  Con el paso del tiempo, este nombre popular se impuso en el uso común y terminó  eclipsando al nombre original, hasta el punto de que hoy es el más utilizado tanto en el  ámbito turístico como en el divulgativo. 

La relevancia histórica y arquitectónica de la villa fue reconocida oficialmente cuando  pasó a formar parte del conjunto “La ciudad de Vicenza y las villas palladianas del  Véneto”, declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1994. Este  reconocimiento subraya su valor universal y su papel fundamental en la historia de la  arquitectura occidental, consolidando la figura de Palladio como uno de los arquitectos  más influyentes de todos los tiempos. 

RESTAURACIONES

A lo largo de los siglos XIX y XX, la villa ha sido objeto de diversas intervenciones. Estas  actuaciones han tenido como objetivo mantener en buen estado la cúpula, los frescos  interiores y los elementos arquitectónicos de piedra, garantizando que el edificio  conserve su apariencia renacentista original. Gracias a estas restauraciones, la Villa  Capra ha podido llegar hasta nuestros días en un excelente estado de conservación.




BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA

-TRIADÓ TUR, J.R; PENDÁS GARCÍA, M.; TRIADÓ SUBIRANA, X.: Història de l’art. Barcelona, 2011.

-BOUCHER, B.:Andrea Palladio: The Architect in his time. Inglaterra, 2007.

-ARTELALLUSSER:

http://artelallusser.blogspot.com/2010/03/villa-capra-o-rotonda-palladio-fue.html

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Escultura

El profeta

COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DEL PROFETA

ANÁLISIS FORMAL

Esta escultura esta considerada la obra principal del artista Pablo Gargallo, el cual es aragonés, representa una figura humana realizada por planchas de metal recortadas, dispuestas alrededor de un eje central constituido por la cabeza, la columna vertebral y la pierna izquierda.

A partir del eje anteriormente mencionado, se insinúan las diversas piezas del cuerpo, fabricadas todas por medio de las ligeras planchas metálicas que se desarrollan en el vacío, de esta forma el aire pasa a ser una parte interna de la escultura.

Se produce un juego muy interesante, el cual lo permite el vacío mencionado, de formas cóncavas y convexas, se produce una mezcla de espacios vacíos y llenos que contribuye a esta figura una gran expresividad y causa un fuerte impresión emocional.

Del mismo modo, las diversas planchas dentadas que otorgan forma a los cabellos y a las ropas confieren la tensión al conjunto y un gran movilidad formal.

Es interesante recalcar como el juego de curvas y contracurvas de las planchas de metal enfatiza más los contrastes de luz y sombra, y forma lo que llamaría el escultor en cuestión volumen virtual, dicho de otro modo, que puede ser envuelto por el espectador.




ANÁLISIS ICONOGRÁFICO

La figura espiritual del profeta esta realizada por Pablo Gargallo con toda la fuerza, derivada de una expresividad gestual excepcional. La efigie, cubierta con una piel, sube al aire con firmeza el brazo derecho, entretanto la mano izquierda sostiene con mando un báculo. Su actitud de desafío incita a seguirlo a raíz de la intensa fuerza que desprende, tanto espiritualmente como físicamente.

El profeta
El profeta

La imagen representa la fuerza de la palabra, es decir, la verdad como camino a seguir, más que como un tema religioso. Ese camino lo indica el personaje principal con su gesto enérgico.

Esta escultura es la más grande y la más conocida producida por dicho autor, aunque nunca la pudo ver fundida en bronce por falta de medios económicos.

CURIOSIDADES

Prácticamente todas las influencias principales que recibió Pablo Gargallo durante su época como artista se representan en esta figura, El Profeta, las cuales mencionaré a continuación. 

En primer lugar, dicho escultor siguió los pasos del cubismo pictórico de Pablo Picassosuperponiendo los diferentes planos de la figura para crear formas subjetivas, las cuales se observan en el rostro.

En segundo lugar, la proximidad que presenta la figura es la que vemos en los principios del impresionismo, tanto en su fuerza como en su sensibilidad. Y, en tercer lugar, se pueden contemplar recuerdos del arte primitivo, los cuales están presentes con artistas como Brancusi un escultor y Modigliani un pintor.

La creación de Gargallo es de los mejores ejemplos en la revolucionaria escultura contemporánea en la introducción del vacío como componente volumétrico.

BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA

-TRIADÓ TUR, J.R; PENDÁS GARCÍA, M.; TRIADÓ SUBIRANA, X.: Història del’art. Barcelona, 2011.

De Picasso a Bacon: arte contemporáneo en las colecciones del Museo de Bellas Artes de Bilbao. Segovia, 1999.

Entre la figuración y la abstracción: arte contemporáneo en las colecciones del Museo de Bellas Artes de Bilbao. Pamplona, 1999.

-ARCEDIANO, S.: Museo de Bellas Artes de Bilbao: guía. Bilbao, 2011.

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Arquitectura

Casa Kaufmann

COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DE LA CASA KAUFMANN O CASA DE LA CASCADA

ANÁLISIS FORMAL

La Casa Kaufmann o también llamada Casa de la Cascada se compone de tres plantas, y se construye a partir de una composición geométrica de planos verticales de piedra (muros y chimenea) que se contraponen a los planos horizontales de hormigón armado (terrazas en voladizo). Todos estos elementos se estabilizan encima de la superficie pedregosa y logran que el conjunto exhiba una gran plasticidad estructural, el cual recuerda a la cascada que se encuentra debajo, eso impulsa a la asimetría entre la horizontalidad de la construcción y la verticalidad de la propia naturaleza.

Los tres principios que forman la lógica compositiva de esta arquitectura son el cruce continuo de unos volúmenes encima de los otros, la forma de proyectar el edificio desde el interior hacia el exterior, y la incorporación del edificio en un entorno natural preciso. La irregularidad de los bloques, el desplazamiento de los volúmenes y de las plantas, las cuales garantizan una voluntad figurativa, pero manifiestan también el “desorden” orgánico propio de la naturaleza en la cual se incluye.

Por una banda, en el interior cada planta contiene una distribución totalmente libre, sin ninguna organización reguladora de espacios, de forma que se adecua a las necesidades concretas de cada zona.

De otra banda, la utilización del vidrio en todos los ángulos y el hecho que todos los espacios interiores se expandan a lo largo de las amplios balcones hacia el paisaje significa promover una gran intercomunicación con el exterior, que elude la turbiedad y la sensación de estar encerrado dentro de una caja hermética.




ANÁLISIS ICONOGRÁFICO

Por una parte, refiriéndonos al entorno e integración urbanística podemos mencionar que esta edificación esta establecida como una de las principales en la llamada arquitectura organicista, la incorporación del edificio en el entorno es total. Se encuentra rodeada de árboles, rocas y cascadas, la casa se estructura por medio de diversos niveles de voladizo que funcionan a la vez como techo y terraza, de esta forma la organización que vemos al final parece la reproducción arquitectónica del escenario natural en la cual se añade.

Por otra parte, refiriéndonos a la función, el contenido y el significado de esta obra esta pensada como vivienda unifamiliar, la casa Kaufmann o casa de la Cascada representa las profundas convicciones del arquitecto norteamericano sobre la unión entre los seres humanos y la naturaleza. Por esta razón, esta construcción es la materialización de un ideal de la arquitectura organicista, poder vivir en medio de la naturaleza sin rehusar al confort de la arquitectura moderna, es decir, conjugar ecología y progreso.

CURIOSIDADES

El uso de la planta libre que emplea Wright en esta obra es una buena prueba de que este autor asentó las bases constructivas en el funcionalismo, a pesar que también siguió a los “ismos” y en las prácticas y sencillas arquitecturas japonesas.

Frank Lloyd Wright al ser tan innovador acuñó el término arquitectura orgánica, por la cual quería unificar al hombre, la arquitectura y la naturaleza, sin querer renunciar al concepto de funcionalidad. También introduce el concepto de confort para poder otorgar a los propietarios del edificio todas las comodidades que le sean posibles como las importantes innovaciones en el campo del aire acondicionado, la iluminación y los paneles de calefacción.

BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA

-TRIADÓ TUR, J.R.; PENDÁS GARCÍA, M.; TRIADÓ SUBIRANA, X.:Història de l’art. Barcelona, 2011.

-BROOKS PFEIFFER, B.; GÖSSEL, P.: F.L.Wright. Alemania, 2015.

-BBC:

https://www.bbc.com/mundo/vert-cul-40341010

-PLATAFORMA ARQUITECTONICA:

https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/02-54599/clasicos-de-arquitectura-la-casa-en-la-cascada-frank-lloyd-wright

-ARQFOTO:

https://www.arqfoto.com/fallingwater-casa-de-la-cascada-frank-lloyd-wright/

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Pintura

Entierro en Ornans

COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DEL ENTIERRO EN ORNANS

ANÁLISIS FORMAL

Gustave Courbet establece un colectivo de personajes de diferentes clases sociales en un retrato, en concreto se encuentran en el momento de la oración fúnebre que preceden el descendimiento del féretro a la sepultura, que, posicionado en la parte baja de la tela, invade el espacio del espectador.

Alrededor se reúnen todas las figuras sin ningún tipo de orden de jerarquía, con una medida natural y dispuestas horizontalmente al modo de friso. Sin embargo, el único elemento que se levanta sobre los demás en esta composición democrática es el santo cristo, el cual rompe la uniformidad del paisaje igualmente horizontal del fondo.




En la parte superior controla la línea horizontal de los acantilados. El cual no solo contrasta con la verticalidad del santocristo y de las personas que acuden al entierro, sino que también sirve para que el artista logre que el espectador fije más la atención en el hecho principal, para no tener que realizar otro elemento que distorsione, así cierra visualmente la composición.

En dicha pintura encontramos una luz delicada y sutil del alba que es suficiente para producir contrastes interesantes de claroscuros, el cual da más corporeidad a las figuras.

La combinación de los colores de la pintura es limitada, sobre todo destaca el rojo en los dos personajes del centro; el blanco se muestra en elementos señalados, como los vestidos de los clérigos de la izquierda, los tocados de las mujeres de la derecha o el perro, dichos componentes hacen que se cree un foco de luz; y también hallamos el color negro, que es el más abundante en el cuadro, el cual fortalece el carácter trágico de la escena.

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO

Entierro en Ornans
Entierro en Ornans

Este artista pintó un suceso de la vida cotidiana de su pueblo natal, en concreto el entierro de un labrador, y al mismo tiempo un tema que hasta entonces no había motivado a los artistas tradicionales. Para pintar este cuadro necesito cincuenta personas de su pueblo para hacer de modelo, entre ellos destacan sus hermanas, localizadas en el conjunto de mujeres llorosas a la derecha.

La exhibición de esta obra generó grandes críticas en los sectores más académicos de los jurados de exposiciones, que desaprobaron la pintura por la ausencia consciente de belleza en la escena, la rudeza y la fealdad de los personajes, y también por la poca importancia temática.

CURIOSIDADES

Enterramiento de Orgaz del Greco

Algunos críticos han comparado esta obra con el Enterramiento de Orgaz del Greco (1586-1588).

A este pintor le influyeron mucho las obras naturalistas del siglo XVII, especialmente las de Caravaggio y las de Velázquez, las cuales copiaba para aprender. Con esta influencia encontró la base para representar en su obra la realidad cercana de una manera objetiva y de una manera cruda para transmitirla al espectador.

Courbet influyó sobretodo para las nuevas formulaciones pictóricas como el Impresionismo y como un referente para los cubistas.

BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA

-TRIADÓ TUR, J.R; PENDÁS GARCÍA, M.; TRIADÓ SUBIRANA, X.: Història del’art. Barcelona, 2011.

-MUSÉE D’ORSAY

-ARTELISTA

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Escultura

Hermes con Dionisio Infante

COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DE HERMES CON DIONISIO INFANTE

ANÁLISIS FORMAL

La figura del dios Hermes se encuentra de pie y desnudo, la cual le falta una parte del brazo derecho, descansando con el brazo izquierdo en una roca cubierta con un manto, mientras coge al pequeño Dionisio. Encontramos entre el tronco y la figura de Hermes una base transversal, imprescindible para sostener el peso de la estatua.

El estudio minucioso del artista es el elemento más importante de la obra, el cual hace de la compensación de los volúmenes un análisis que se hace evidente en la utilización del contrapposto, un proceso que ya había planteado Policleto.

En esta representación se observa que el escultor ha elevado la cadera de la efigie hacia uno de los lados y ha flexionado la pierna contraria, curvándose todo el torso. Esta composición compleja insinúa una estructura suave y dinámica en forma de una “gran S invertida”, la cual se llama “Curva praxiteliana.




El movimiento de la figura de Hermes se contrapone con la perpendicularidad que construyen el pequeño Dionisio y la túnica, que en vez de exhibir una curvatura falsamente ordenada, muestra un descenso natural de los pliegues.

Para conseguir dicho resultado, Praxíteles realiza el procedimiento de los “trapos mojados”, que aporta una percepción de realidad. Los cabellos están aplicados de manera natural, y tanto las facciones del rostro como el busto de Hermes se alejan de la dureza atlética y formal del siglo anterior.

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO

Hermes con Dionisio Infante
Hermes con Dionisio Infante

Hermes con Dionisio infante se inspira en la mitología griega y expone a dos dioses del Olimpo como son: Hermes, dios del comercio y mensajero de los dioses, y Dionisio, dios del vino, del teatro, las fiestas y los excesos.

Según la antigua Grecia, Dionisio era hijo de Zeus y de la princesa de Tebas Sémele, hija de Cadmo, rey de Tebas. Durante una parte de su vida fue perseguido por Hera, la esposa celosa de Zeus.

En un momento en que Hera era muy peligrosa para el joven Dionisio, Zeus regresó a su hijo a la edad de la infancia y pidió a Hermes que lo llevara al Monte Nisa para que lo cuidarán las ninfas. Este es el momento que represento la obra de Praxíteles.

Originariamente esta imagen adornaba el antiguo templo de Hera en Olimpia. Cuando se encontró el año 1877, la figura tenia las piernas mutiladas que fueron restauradas más tarde y le faltaba el brazo con el que supuestamente Hermes enseñaba a Dionisio un ramillete de uvas, fruta que el dios infante descubrió cuando era cuidado por las ninfas.

CURIOSIDADES

Los historiadores han acordado que posiblemente esta escultura fue hecha para conmemorar la paz entre las polis de Elis y Arcadia, porque Dionisio y Hermes eran patrones de estas dos ciudades.

El autor de esta obra de arte siguió los cánones de belleza implantados durante la época clásica y, sobre todo, la configuración anatómica marcada por Policleto en su canon.

Aunque su obra esta considerada como la pionera de los cambios que dieron origen al nuevo lenguaje del estilo helenístico, porque los dioses y los héroes eran representados en conductas diarias, y transmitían por primera vez emociones y sentimientos, como por ejemplo Afrodita de Cnidos saliendo del baño.

Su influencia no solo se vio durante el periodo helenístico, sino que también durante el Renacimiento, época en la que la curva praxiteliana fue muy copiada como modelo de equilibrio.

Para finalizar, la parte delantera del dios, el áspero tronco del árbol y la rodilla de Hermes son elementos que han hecho que muchos científicos e investigadores se pensaran que esta estatua era una copia romana y no la obra original de Praxíteles.

BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA

-TRIADÓ TUR, J.R; PENDÁS GARCÍA, M.; TRIADÓ SUBIRANA, X.: Història de l’art. Barcelona, 2011.

-PASQUIER, Alan: Olympie: L’hermès d’Olympie. Paris, Museo del Louvre, 2001.

-TRIANTI, Ismini; VALAVANIS, Panos: Olimpia y los juegos Olímpicos. Atenas, 2012.

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Pintura

Lucifer

COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DE LUCIFER

ANÁLISIS DE LA OBRA

Jackson Pollock es, sin duda alguna, uno de los principales representantes del expresionismo abstracto: movimiento gestado durante la Segunda Guerra Mundial y que presenta el terror y la crisis existencial del hombre, forjando un lenguaje que se basa en las experiencias de las primeras vanguardias y que muestra interés en la búsqueda de soluciones originales a la vez que innovan en materiales y técnicas. 




Es un estilo que triunfa en Estados Unidos y que permite por vez primera no fijar su atención en Europa, tal como venían haciendo antes de la irrupción de dicha corriente artística.

La aparición del expresionismo abstracto viene dada por una serie de factores; primeramente la llegada de distintos artistas que huían de Europa para esquivar los horrores de la guerra, así llegaron figuras de la talla de Duchamp o Dalí, por ejemplo; por otra parte existió un fuerte auge de galerías y museos especializados en arte contemporáneo. 

Lucifer

Nueva York es el principal centro neurálgico de la mayoría de pintores adscrito a este movimiento. Jackson Pollock gustaba de usar la técnica del dripping que consistía en colocar grandes lienzos-algo muy común en el panorama artístico americano tras la Segunda Guerra Mundial- en el suelo y verter pintura directamente desde la lata, formando un trazado irregular que permitía, en cierta medida, ver el movimiento y proceso creativo que siguió el propio autor.

Dicha manera de trabajar evidencia una clara influencia surrealista en cuanto al sentido de automatismo en los trazos formado por chorreones de pintura. 

El fondo del cuadro no es liso y se pierde ante una maraña de ritmos de colores. Es importante señalar que en sus cuadros no había nada al azar y que todo estaba sujeto a una idea preconcebida sobre la cual trabajaba hasta ver los resultados que él estimaba fieles a su boceto mental.

VIDEO JACKSON POLLOCK

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Pintura

La conversión de San Pablo

COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DE LA CONVERSIÓN DE SAN PABLO

ANÁLISIS FORMAL

Esta obra fue realizada entre 1600 y 1601 y, al igual que la Crucifixión de San Pedro, se encuentran en la Capilla Cesari de la Iglesia de Santa María del Popolo en Roma, Italia. 

La escena que presenciamos está compuesta por tan sólo tres figuras: un hombre tumbado en el suelo con los brazos levantados que parece haber caído de un caballo y cuya efigie ocupa la mayor parte del lienzo, una segunda persona – podría ser un sirviente – de la que apenas vemos su cabeza y piernas y el caballo.  

Para la composición de la escena, Caravaggio renuncia a la composición frontal tradicional, y coloca dos diagonales correspondientes al cuerpo de caballo, que va de izquierda a derecha, y la del hombre en el suelo, que, por el contrario, va de derecha a izquierda en un marcado escorzo.

La composición, a base de dos figuras en escorzo, así como el tamaño de las mismas, excesivamente grandes de manera que parecen salirse del lienzo, contribuyen a crear la sensación en el espectador de asistir a un acontecimiento fugaz, no preparado. 

La luz en este cuadro penetra de manera violenta desde el ángulo superior izquierdo, sin que se nos permita ver el origen de la misma. Ésta inunda un espacio oscuro que nos es imposible reconocer; de forma que no sabemos si tiene lugar en el exterior de noche o en el interior de un establo. 




Esta luz incide de manera violenta, fundamentalmente en el cuerpo de Pablo, quien, con los brazos en alto y los ojos cerrados, parece cegado por la misma, así como en el lateral del caballo; mientras que apenas alumbra la cabeza y piernas del sirviente.  

Respecto a la paleta de colores usados, predominan los tonos cálidos como el castaño y ocre del caballo, el naranja de la coraza de Pablo y el rojo de su capa.

Esta manera de iluminar la escena crea unos efectos lumínicos de contrastes violentos entre las zonas más iluminadas frente a las más oscuras que será conocido con el nombre de tenebrismo y será una de las características que mejor identifican la obra de este pintor. 

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO

La conversión de San Pablo
La conversión de San Pablo

Según el Evangelio de Lucas, San Pablo era un judío convencido de su religión, dispuesto a acabar con el cristianismo. Se llamaba antes que Pablo, Saúl, y él mismo fue a Damasco para buscar a todos los cristianos y encarcelarlos.

Hizo el camino a pie con el grupo que le seguía, tardaron aproximadamente una semana ya que Damasco se encuentra de Jerusalén a 230 km.

Cuando estuvo a punto de entrar por las puertas de Damasco, una luz lo cegó por completo y Jesús le dijo que entrara en la ciudad que allí le diría lo que tenía que hacer, y así fue, Saúl ciego por completo entró en Damasco y se dirigió a Jesús, allí este le comunicó su comedido y automáticamente se le cayeron de los ojos las dos escamas que lo habían cegado hasta entonces.

En este momento fue cuando Saúl se convirtió en uno de los seguidores de Jesús, un apóstol y por supuesto, un fiel cristiano.

OTROS DATOS DE INTERÉS

Entre los encargos más importantes realizados por Caravaggio en Roma se encuentra la decoración de la Capilla Cerasi. En el año 1600 firmó un contrato en el que se comprometía a realizar dos cuadros para la capilla familiar de Tiberio Cerasis, tesorero de Clemente VII: La Conversión de San Pablo y El Martirio de San Pedro, dos temas que ya había aprovechado Miguel Ángel en la Cappella Paolina del Vaticano.

Caravaggio, como en otros casos, tuvo que elaborar una segunda versión de ambos cuadros ante las exigencias de los compradores descontentos. Para esta representación, el pintor elige el momento en el que Saulo, que se dirigía a Damasco persiguiendo a los cristianos, cae del caballo y se queda ciego al encontrarse con la poderosa aparición de Cristo.

Saulo yace de espaldas en el suelo, los brazos extendidos y los ojos cerrados; su cuerpo, es alcanzado por la luz divina. Solo el caballo y el lacayo son testigos de lo ocurrido.

El dramatismo del suceso se ve intensificado no solo a través de la detallada composición, en la que el caballo ocupa casi todo el cuadro, sino también por el uso de la luz.

Este cuadro sustituyó a otro lienzo del mismo tema que no terminó de gustar. Se trata de una versión más completa, que no fue aceptada por parte de la Iglesia y que hoy se encuentra en el Palazzo Odescalchi Balbi en Roma, Italia.

Primera versión de La Conversión de San Pablo

Tras el rechazo de esta pieza, se entregó una segunda, que es la que hemos comentado con anterioridad y que, actualmente, se exhibe en Santa Maria del Popolo de Roma. 

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Pintura

Lamentación sobre Cristo muerto

COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DE LAMENTACIÓN SOBRE CRISTO MUERTO

ANÁLISIS DE LA OBRA

Giotto fue un adelantado a su tiempo, siendo sus obras un buen exponente de semejante afirmación. Nació en Colle di Vespignano-un pueblo cercano a Florencia- y su fecha de nacimiento aún sigue siendo motivo de controversia al igual que la datación de mucha de sus pinturas.

Tuvo como maestro al célebre pintor Cimabue, el cual lo acogió como discípulo. Así se fue labrando un nombre y fama, recibiendo distintos encargos de personajes ilustres como príncipes, por ejemplo.

Este artista realizó tres grandes ciclos de frescos; uno de ellos muy polémico ya que se duda de su autoría, se trata de los frescos de La Vida de San Francisco en la Basílica de San Francisco de Asís, representado por 28 escenas de la biografía del santo.




También trabajó en la Santa Croce alrededor de 1320; y finalmente otra serie de frescos en la Capilla de los Scrovegni, la cual alberga este genial ejemplo del genio de Giotto y tenía como fin la redención de los pecados del padre de Enrico Scrovegni, la persona que encargó dicha empresa formada por 38 escenas del Evangelio dividido en tres registros que se superponen.

La imagen pintada representa el momento en que alojan el cuerpo de Cristo en el sepulcro del huerto donde fue crucificado. Dicha escena aparece recogida en el Evangelio de San Juan y podemos apreciar una gran multitud de detalles y comportamientos por cada personaje.

Lamentación sobre Cristo muerto
Lamentación sobre Cristo muerto

Llaman la atención los dos personajes que se sitúan en el borde del margen derecho y que en una primera instancia parecen no participar en ese llanto o lamentación colectiva, pero si se observa detenidamente podemos advertir una actitud tan humana y naturalista como es el reprimir un sentimiento o pena, siendo posible conectar dicha instantánea con las celebraciones funerarias del momento que muy seguramente Giotto frecuentaba para valerse de toda esa gama gestual que luce en el fresco.

Igualmente interesante son otras actitudes como la figura femenina que sujeta por las muñecas al fallecido Cristo.

Cerca de ésta se encuentra una figura que lleva sus brazos hacia atrás de una manera violenta, correspondiendo a la gravedad de la situación. La Virgen plasma su dolor juntando las palmas de sus manos y llevándoselas hacia las mejillas en un claro acto de desolación al ver el cuerpo sin vida de su hijo.

Es increíble la capacidad de Giotto para impregnar de dolor los rostros de cada una de las figuras que se muestran realmente afligidas por la significación de su pérdida. La parte superior cuenta con la presencia de los ángeles, éstos se contorsionan, lloran, y se tiran de los cabellos.

Por otro lado, el fresco divide la estancia superior e inferior mediante una montaña o ladera que asciende diagonalmente hacia la derecha y está rematado por un árbol sin hojas que puede aludir a la muerte de Cristo.

Todo esto en un ambiente seco y austero, formando todo un escenario para reforzar la escena sagrada aunque pueda pasar perfectamente por una mundana. Utiliza contrastes de colores al usar el rojo y el azul-ambos muy empleados en su obra-, siendo armonizados por la luz.

Esa división diagonal de la escena a través de una montaña puede recordar al mismo recurso empleado por Lorenzo Ghilberti para una de las placas que presentó para el concurso que adjudicaba la realización de la Puerta del Paraíso del baptisterio de la Catedral de Florencia y que representa el sacrificio de Isaac.

Analizando lo anterior, queda claro que la expresión oral de las figuras de Giotto se manifiesta mediante los gestos y actitudes que anteriormente hemos comentado. Se trata de algo ya conocido en el pasado, especialmente en época clásica-véase el Augusto de Prima Porta– y que Giotto dominó a la perfección.

Otro factor importante para comprender esta obra en particular, y el resto de su obra en general, es la influencia de la escultura en sus trabajos. Si se observa nuevamente el fresco puede apreciarse que sus formas adquieren rasgos propios de la escultura. Los conceptos de volumen y peso están patentes en sus distintos encargos, y más aún en 1305-1306 cuando disfrutaba de una etapa de madurez artística.

Por otra parte, existe una tridimensionalidad que viene dada, precisamente, por esas características escultóricas de los personajes de su pintura. Consigue así una clara espacialidad y desarrolla además una perspectiva que en el futuro será más conocida y trabajada por los artistas italianos del siglo XIV.

En definitiva todo esto hace de Giotto el artista más importante del Trecento italiano y a la vez un precursor directo de la pintura moderna, sentando las bases de lo que será la evolución pictórica y que se llevará a cabo durante el renacimiento.

Sus principales logros son esas composiciones realistas, conseguidas por el manejo de elementos y modelos arquitectónicos, alejándose del modo de hacer griego y apostando por un naturalismo basado en la voluptuosidad de sus figuras mediante volúmenes, tridimensionalidad y perspectiva.

Coloca sus figuras en el espacio, además de ser un excelente escenógrafo a la hora de interactuar los distintos personajes entre ellos. Es patente la existencia de una gran narratividad en toda su pintura.

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Pintura

Impression soleil levant

COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DE IMPRESSION SOLEIL LEVANT

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO

En 1874, un grupo de jóvenes pintores rechazados por el Salón oficial decidió exponer sus obras en el taller del fotógrafo Nadar. Monet presentó, entre otras obras, esta marina pintada dos años atrás. Escribió a uno de sus amigos: «He enviado a la exposición una cosa hecha en el Havre desde mi ventana, con el sol entre la bruma, y en primer plano, unos mástiles apenas apuntando. me han pedido que le dé título«.

Como no podía ser una Vista de El Havre, les he respondido: Llamadla Impresión». Edmond Renoir, hermano del pintor, que fue responsable del catálogo de la exposición, añadió amanecer para hacer la denominación mas figurativa. De esta forma el cuadro quedaba titulado: Impression soleil levant (Impresión del sol naciente). 

ANÁLISIS FORMAL

Impression soleil levant
Impression soleil levant

Impression soleil levant, es desde luego, algo más que un título. De rigurosa composición, la obra resultaría casi abstracta si la barca del primer plano y el sol reflejándose en el agua no explicasen la atmósfera del gran puerto, con las chimeneas de sus fábricas y los mástiles de sus barcos. El Impresionismo, es un movimiento que rompe con los cánones académicos.

El color predomina frente al dibujo, que aparece difuminado, hasta el punto que el espectador tiene que pararse frente al cuadro para distinguir entre la rápida pincelada. Asimismo, el color jugará un papel fundamental, puesto que lo que más le interesará a los impresionista será los efectos de la luz, por lo que no serán extrañas las representaciones de amaneceres o atardeceres. En este sentido, el papel del agua será también fundamental. Monet, jamás utilizó el negro puro en ninguno de sus lienzos. 

OTROS DATOS DE INTERÉS

Parafraseando el título del cuadro para burlarse de él, el crítico Louis Leroy bautizó sin querer el nuevo movimiento al realizar el siguiente comentario: «¿Qué representa esta tela? ¡Impresión! Des luego, produce impresión. Me decía yo que, puesto que estaba impresionado, allí debía haber impresión… El papel pintado en estado embrionario está más hecho que esta marina…».

De esta manera, el término «impresionista» pasó a ser el nombre del movimiento del que el propio Leroy se enorgulleciera luego de ser el padrino. Hay que decir, que muchos de los artistas que expusieron en 1874 bajo esta catalogación, morirían sin ser reconocidos, puesto que sus obras se vendieron a muy bajo precio debido a la mala critica.

Esta situación cambió a partir de 1894, cuando las obras , que a priori fueron vendidas a precios ridículos, comenzaron a ser reconocidas y valoradas. Fue a partir de este momento cuando los pintores impresionistas comenzaron a disfrutar de cierto prestigio. 

Con respecto a la historia de la obra que nos atañe, hay que decir que el coleccionista Ernest Hoschedé adquirió el cuadro por 800 francos, suma considerable en su época. Monet no había superado los 200 francos en una venta organizada por Durand-Ruel. Hoschedé lo revendió por 210 francos al doctor de Bellio.

A la muerte de este, fue heredado por su hija. En 1938, esta lo depositó a título temporal en el Museo Marmottan, donde se quedó definitivamente por vía de legado en 1957. En 1985 fue robado, y se recuperó cinco años después. La obra volvió a quedar expuesta tras su restauración. 




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Arquitectura

Crómlech de Stonehenge

COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DEL CRÓMLECH DE STONEHENGE

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO

Stonehenge es un monumento megalítico tipo crómlech. La palabra crómlech proviene del francés y hace referencia a un tipo de arquitectura prehistórica formada por piedras o dólmenes introducidos en el suelo y que adoptan una forma circular o elíptica, cercando una zona. Se han encontrado importantes construcciones de este tipo por toda Europa, pero el de Stonehenge es una de las más conocidas e impresionantes, no solo por su extensión, que ocupa varios cientos de hectáreas, sino también por su complejidad constructiva. 

La finalidad exacta que tuvo la construcción de este extraordinario monumento se desconoce, pero se supone que se utilizaba como templo religiosomonumento funerario u observatorio astronómico que servía para predecir las estaciones. Se piensa que tuvo un carácter funerario ya que se han encontrado diversas tumbas a su alrededor.




ANALISIS FORMAL

El Crómlech de Stonehenge está formado por varias estructuras y fue realizado en varias fases:

1. En la primera fase (3.700-3.000 a.C), este conjunto estaba formado por una enorme zanja alrededor de la cual se construyeron una serie de hoyos, conocidos como los «Aubrey Hole«, llamados así en honor a su descubridor. Se piensa que había postes de madera colocados en estos huecos delimitando un espacio circular, porque se han encontrado otros crómlech con esta estructura. En esta zona se han descubierto más de 200 enterramientos, todos ellos siguiendo la técnica de la cremación. Este conjunto fue abandonado hasta el 3.000 a.C., cuando comienza la segunda fase de construcción. 

2. En la segunda fase (3.000-2.200 a.C.), se realiza una gran remodelación del conjunto, se amplía la estructura incorporando enormes bloques de piedra de distinta procedencia. Estas piedras pesaban entre 2 y 5 toneladas, lo que requería un gran esfuerzo para elevarlas. Lo que más llama la atención es que el material de esas piedras no existen en la región, las mas cercanas se ubicaban a unos 300 kilómetros de distancia. Los investigadores piensan que para el transporte de estas enormes piedras fue necesario el uso de rodillos y cuerdas.

3. En la tercera fase (2.200-1.600 a.C.) se realiza el círculo exterior, formado por las conocidas como «Sarsen Stones«, procedentes de la región de Malborough. El peso de estas enormes piedras superan las 50 toneladas. Esta fase sería la que daría la apariencia final al conjunto.

En el solsticio de verano, el sol salía atravesando el eje de la construcción, lo que hace suponer que los constructores tenían conocimientos de astronomía. el mismo día, el Sol se ocultaba atravesando el eje, donde se han encontrado multitud de huesos de animales y objetos. 

OTROS DATOS DE INTERÉS

El descubridor de este magnífico conjunto fue John Aubrey, un anticuario, filosofo y escritor inglés. En 2014 se descubrió mediante un radar un enorme santuario religioso rodeando el crómlech que ha cambiado el concepto que se tenía de este monumento como algo aislado en el paisaje. La estructura estaría formada por restos de 17 edificios y tumbas que estarían conectadas a Stonehenge formando una amplia red de monumentos religiosos. Cerca del yacimiento se han encontrado restos de viviendas que se usarían de forma temporal o estacional. 

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