1. A nivel profesional, vienes del sector de las reformas y la alta decoración, pero tu corazón te dictaba que probaras el arte de la pintura, y a él te lanzaste siguiendo el camino del autodidacta. En ese proceso inicial de comprensión de los mecanismos pictóricos, ¿qué artistas u obras marcaron la transición de la copia a la forja de tu propio estilo?
Sí, es cierto, vengo del sector de las Reformas y la Alta decoración, la cual compagino con la creación de contenido didáctico en YouTube (si me permiten, Reformando con Arte), para intentar mostrar mi profesión y compartir el conocimiento adquirido. El proceso inicial de mi pasión por el arte ha sido prácticamente desde que tengo uso de razón, recuerdo que en mi niñez me disponía a dibujar continuamente, recordar que en mis tiempos no había móviles, ni redes, ni era digital, el dibujo siempre fue mi entretenimiento de pequeño, aunque fue olvidado por fuerzas mayores cuando iba creciendo. Empecé a trabajar para colaborar en mi casa con 14 años por las tardes después del colegio, he vivido desde mi uso de razón en una familia monoparental, compuesta por mi madre y mis dos hermanos; a mí me tocó ser el mayor, pero realmente esa pasión por el dibujo y posteriormente por la pintura fue creciendo fuertemente.
Con el paso de los años, hasta llegar a representar a un familiar pintor, digamos fue mi iniciación en el mundo del realismo y la figuración. Aunque me atrevía a hacer alguna obra figurativa, nunca me propuse ser partícipe en tan bello y noble arte. Pasaba mucho tiempo viendo grandes pintores del Barroco: Velázquez, Murillo, Zurbarán, Rembrandt, Caravaggio; y del Renacimiento: Da Vinci, Rafael Sanzio… Pero también contemporáneos, como el gran maestro Antonio López, Eloy Morales, José Luis Corella, Pedro Campos, Jason de Graaf…
A mí personalmente siempre me ha apasionado el arte en general, nunca me cerré en banda a ningún estilo, siempre me ha parecido fascinante la vida y obra de otros dos grandes artistas como Dalí y Picasso. Digamos que el arte me ha apasionado siempre en todos sus estilos, mi relación con el Expresionismo abstracto viene de hacer murales de alta decoración, en ese aspecto siempre me he sentido muy artista. Si es cierto que soy autodidacta, no veía el momento hasta que di el paso a realizarlo en lienzo, y así fue mi comienzo en el mundo de la pintura. Actualmente llevo apenas un año y unos meses como artista emergente, pero reconozco que me ha cambiado la vida para bien: el arte llegó a mi vida para la eternidad.
Digamos que no tengo una influencia clara y tan marcada por ningún artista completamente, pero sí la idea y conceptos de varios, como Andy Warhol y Roy Lichtenstein, los padres del Pop Art, y artistas más actuales como Banksy. Con una identidad y mensaje muy directos respecto a su obra, la verdad es que no vengo de reglas y directrices académicamente hablando, pero las respeto, al final hago lo que me haga disfrutar en cada momento, lo que me nazca, y eso es inevitable no llevarlo a cabo. Las obras que me marcaron digamos fue el conjunto y estilo de obras de Andy Warhol y Roy Lichtenstein, en este último el cómic siempre fue otra de mis pasiones de pequeño.
Al final todo artista busca y encuentra su estilo propio.
2.¿Ha influido en algo tu experiencia profesional en tu vocación artística? Por ejemplo, en la preferencia por determinadas técnicas o en el desarrollo de ciertos hábitos creativos.
Sí, totalmente, en cuanto a mi experiencia profesional con la Alta decoración con estuco y pinturas naturales, bueno, ha sido muy enriquecedora, pues me ha llevado a adentrarme y conocer con profundidad e intentar comprender el Expresionismo Abstracto. Siendo sincero, me encanta y me divierte mucho cuando hago un mural abstracto para algún cliente en su hogar, éstos fueron mis comienzos en la pintura.
3.Partiendo de los preceptos que caracterizan el Pop Art, dices añadir un “chute de adrenalina” a esas pinturas que parten de la apropiación de iconos de la cultura popular. Artísticamente, ¿cuáles son las claves para insuflarles dicha carga adrenalínica?
Para insuflar esa «carga adrenalínica» a mis pinturas Pop Art, mis claves artísticas se centran en generar un impacto inmediato y humorístico, que luego derive en una reflexión más profunda.
Humor y Descaro a través de la Descontextualización.
El primer golpe visual busca provocar una sonrisa natural. Esto lo logro mediante interacciones inesperadas: inserto brazos de personas ofreciendo objetos concretos o incluyo elementos completamente distantes en el tiempo y el espacio con respecto a la figura principal. Esta yuxtaposición de lo anacrónico genera un contraste chocante y divertido.
Atemporalidad en situaciones: a veces creo escenarios donde la figura icónica se ve envuelta en situaciones que desafían la lógica temporal, borrando las barreras del tiempo para acentuar el absurdo y la ironía.
La clave es el descaro en estas composiciones: no hay miedo a romper las convenciones ni a lo políticamente correcto. El humor es la puerta de entrada, el anzuelo que atrapa al espectador.
El Color como Vibración y Concepto.
El color es, sin duda, un pilar fundamental. Lo utilizo de manera plana, pero siempre llamativa, vibrante y evocadora. A veces combino degradados o sombras complejas, la intención es que cada tono impacte directamente, casi como un cartel publicitario. Esta elección cromática no solo evoca la estética visual del propio Pop Art y la cultura de consumo, sino que también contribuye a esa sensación de «chute de adrenalina» visual.
Del Impacto Inicial a la Reflexión Profunda.
Mientras la primera reacción es la sonrisa, mi objetivo es que esa espontaneidad dé paso rápidamente a la reflexión sobre el concepto detrás de la composición. Cada elemento añadido, por muy disparatado que parezca, tiene una intención y un mensaje subyacente. Con cada nueva obra, voy acentuando y puliendo más lo que quiero transmitir, permitiendo que la «adrenalina» inicial se asiente y revele capas más complejas de significado.
4.El espectador que indague tu perfil de Instagram, si no baja demasiado, verá solo tu alma figurativa, que es, en verdad, la que más has trabajado desde que comenzaste, pero tus inicios realmente están en la abstracción. ¿Qué te llevó a comenzar con el Arte abstracto y qué te impulsó a cambiar al Arte figurativo?
Comencé como artista creando abstracto, por mi profesión en el sector reformas, creando murales en paredes interiores con materiales de alta decoración como estuco y diferentes pigmentos naturales. Esto me llevó con una gran atracción a probar en un lienzo, era sólo cuestión de tiempo que mi anterior vinculación con el mundo del arte como representante de un pintor realista. Esta experiencia me empujó, por así decirlo, a la figuración, y en este caso con otra de mis pasiones pictóricas: pintar toros bravos.
Al final son influencias personales que me han llevado a introducirme en el mundo del arte y buscar un estilo más propio y personal.
Sí, es verdad que cada vez más me aproximo a lo figurativo, y esto es algo que enriquece aún más mi voluntad de expresarme como artista pop.
5.Entre los ingredientes que conforman tu propia receta artística se encuentra el toque de humor y, a veces, de crítica, con lo que buscas inducir en el público una reflexión sobre el peso que ejerce la sociedad de consumo y sus iconos en nuestra vida diaria. Ese humor y esa crítica, ¿los buscas intencionadamente o a veces es fruto de la improvisación?
Descaradamente, lo busco premeditadamente, busco en primer lugar el impacto en la propia composición, pero mi obra tiene que ir acompañada del toque de humor y la crítica. Actualmente, vivimos en una sociedad cada vez más dependiente del consumo impuesto, al final somos esclavos de una idea preconcebida y establecida en nuestro día a día. Es la herencia que dejamos de generación a generación, cada vez más consumista e inevitablemente establecida para ello. Vivimos encadenados al hipermercado, las grandes marcas y firmas, nos bombardean con un «quiero y necesito» que se inyecta directamente en nuestras venas. Somos marionetas de la publicidad, danzando al son de la última tendencia, comprando la felicidad enlatada que nos venden como si fuera el elixir de la vida.
Para mi opinión, también es una sociedad falta de valores, por eso doy un toque de humor a mi obra, aunque sin aproximarme a lo satírico, más bien a lo sarcástico, es más bien esa sonrisa natural que se te escapa cuando te das cuenta de lo absurdo de todo, porque así lo entiendo yo y es como me divierto y disfruto pintando. Creo que el mensaje es importante, pero captar esa emoción de generar una simple sonrisa y una reflexión me hace disfrutar muchísimo. En mi cabeza actualmente hay un universo de pequeñas y grandes cosas, y todas aportan y conviven hasta la hora que les toque existir en un lienzo.
6. En relación con este último punto, no sé si conocerás la existencia de un movimiento artístico nacido en los años 80-90, llamado Neo-Pop, que, partiendo de la premisa básica del Pop Art, amplía las fronteras de lo que entra dentro de la cultura popular, y a ello le añade nuevas técnicas y un componente de humor e ironía que reviste una crítica hacia cuestiones como el consumismo, la propaganda publicitaria o la alienación de los medios de comunicación de masas. Sabiendo esto, ¿te considerarías con certeza un artista Neo-Pop?
Sí, naturalmente lo conozco y he seguido las obras de artistas internacionales como Keith Haring, Jeff Koons, Kenny Scharf, Takashi Murakami o Yayoi Kusama, con un claro mensaje propagandístico y de saturación de colores intensos y muy vivos, vibrantes, con una idea clara orientada al consumo. Tengo que reconocer que me encanta este estilo y que es probable que alguna vez mi obra entrelace los dos estilos, me gusta indagar en diferentes estilos dentro del mismo, pero yo creo que mi esencia y mi mensaje es más simple y se asemeja más a la idea de Andy Warhol y de Banksy en su obra, pero con el toque de humor que pretendo plasmar en mi obra.
7. Cuando abordas iconos de la cultura popular, no solo te focalizas en la televisión, el cine, el cómic o el consumismo, como hacían los estadounidenses, sino que también despliegas la vertiente pop española tal y como la concibieron artistas como Eduardo Arroyo o el Equipo Crónica, que rehuyeron la atrasada modernidad de los años 60-70 y abrazaron la tradición de la Historia del Arte. Sus iconos, por ello, eran Velázquez, Goya, Picasso, Dalí o aquellos que lucharon comprometidamente contra el franquismo. ¿Qué propósitos te mueven a hacer que los toros de nuestros ruedos o las “Leyendas de Sevilla” como Joaquín del Betis sean también protagonistas de tus lienzos?
Me alegra que me hagas esta pregunta. Bueno, hay varios apartados o etapas dentro de mi obra, quiero matizar. Con respecto al mundo de los toros bravos, siempre me ha apasionado por la propia esencia del animal; no soy para nada taurino, pero sí he visto y sentido esa energía de este animal como mía propia en muchas facetas de mi vida. Digamos que tanto mi crianza como mi vida casi en general han sido con muchas dificultades y una lucha continua, y la figura del toro va muy ligada a mi personalidad, aunque yo no embisto a nadie, ja, ja, ja.
En cuanto me dices sobre Joaquín, bueno, también pinte a Jesús Navas, dos iconos actuales de la ciudad y, quizás, de la famosa y eterna dualidad que vive Sevilla actualmente. Bueno, esto es un proyecto que quiero llevar a cabo, pero con paciencia, porque, además, es sin ánimo de lucro, y porque, como sevillano, me gustaría dejar mi granito de arena. Por eso pensé en crear “Leyendas de Sevilla: retratos de un alma hispalense”, donde destacar en lienzos todos de 50 x 50 a personajes conocidos que guarden o hayan guardado una vinculación con Sevilla, hayan nacido aquí o no.
Claro, empecé con los más actuales y más fáciles: la Duquesa de Alba, “El Pali”, los dos integrantes de Los Compadres, los dos buques insignias de los equipos de la ciudad… Pero poco a poco iré presentando personajes menos conocidos nacionalmente, pero sí, en Sevilla, y con esto sólo aportar mi granito de arena como artista, porque personalmente creo que el arte en mi ciudad está muy anclado en el folklore o arte costumbrista y el Barroco en su forma más sacra; quizás el Arte contemporáneo no tenga tanto tirón en Sevilla y sí en ciudades como Málaga, Madrid o Barcelona, entre otras.
8. El Arte es una cuestión de intenciones, emociones y creación, pero quienes quieren dedicarse a ser artistas profesionalmente son conscientes también del componente comercial necesario para vivir de ello. ¿Cómo vive el equilibrio (o la tensión) entre el artista que crea con libertad y el creador que debe pensar en el mercado, en lo que «funciona»?
Es cierto, esa tensión creo que siempre existirá en el artista, yo la tengo presente en cuanto a la hora de participar en exposiciones, porque es verdad que si la obra de un artista gusta es por su originalidad y autenticidad a la hora de crear, y este principio lo llevo muy mentalizado. No pretendo que mi obra sea comercial, ni un cuadro decorativo, pretendo que quien la desee conecte sobre todo con la idea, con el concepto más que con la estética de la propia obra, al final todo suma si creas una obra que tenga todos esos componentes, tiene más posibilidades de éxito. Intento ser fiel a mi estilo y mis principios del proceso creativo, que es lo que me nazca, no busco como objetivo una obra comercial; creo que Picasso dejó una frase que quizás se pueda asemejar a esta cuestión “Un pintor es un hombre que pinta lo que vende. Un artista, en cambio, es un hombre que vende lo que pinta”.
9. Hablando de sentimientos, hemos leído que, como artista, uno de tus principios fundamentales es que el Arte debe ser sentido antes que comprendido, es decir, que debe despertar algo en el espectador y no ser complicado y poco accesible. Precisamente esto último es algo que ocurre mucho en un sector del Arte actual que vemos en galerías, ferias y demás eventos contemporáneos, donde se prima el discurso filosófico complejo, dejando de lado la materialidad y elevando el concepto por encima de la obra artística. ¿Qué piensas de este tipo de Arte?
Sí, matizando sobre esto, es un pensamiento personal donde expongo mi impresión, sobre cómo me gustaría que fuese de cara al espectador, quiero que tenga ese momento de impacto para después llegar a un acto de comprensión. Por supuesto, creo en la posibilidad de que fuera más accesible, sobre todo, a las personas que no están conectadas con el arte. El mensaje filosófico, si es muy complejo, no siempre es comprendido por el mayor público posible.
En todo esto, al final, el objetivo que se busca principalmente y como finalidad es la venta de la obra, cualesquiera que sean las opciones expositivas, no cabe duda de que el artista necesita crear, pero también vender, para poder vivir de su propio arte. Sinceramente, no suelo participar en ferias de arte, no me resultan para nada ventajoso.
10. Analizando en perspectiva tu trayectoria como artista emergente, desde tus inicios abstractos hasta tus últimas piezas figurativas, estamos seguros de que ha habido una evolución. ¿Bajo qué parámetros determinas que has subido uno o varios peldaños a lo largo de la escalera artística?
Bueno, esta pregunta me encanta, porque uno intenta ser lo más objetivo y, sobre todo, honesto con su propia realidad. Es cierto que tengo la sensación de haber subido algún peldaño que otro, porque así me lo demuestran los pasos que doy con galerías de arte, recibo ofrecimientos que, siendo humilde en mi respuesta, nunca pensé que iba a recibir. Sobre todo, creo que el paso de exponer en el MEAM de Barcelona, en The MEAM Hall 6, ha sido un paso importante, algo muy ilusionante y motivador para mí, pero aquí está, sobre todo, la visión que continúo teniendo sobre mí como artista emergente.
Hago autocrítica y creo que puedo dar más en cuanto a nivel creativo, porque así lo siento. En cuanto a nivel técnico, sí tengo la sensación de haber subido varios peldaños. Hay un factor clave en todo esto, que es la pasión que tengo por el arte en general: para mí no supone esfuerzo alguno ponerme enfrente de un lienzo y empezar otra obra más, es un verdadero disfrute. Creo que ahí está un poco la clave, conseguir que sea un disfrute y no un trabajo.
Creo que exponer en galerías tan actuales y con nombre propio, como Galería Origen, Patricia Cancelo, en París con Singulart e Imaginart Gallery. Con Casa Maiko tengo muchas ganas de exponer, porque así lo quieren ellos también. Estoy muy agradecido a todos ellos por la confianza y el interés que han depositado en mis obras. Mi visión de crecimiento es ambiciosa y con un claro enfoque internacional. Sin embargo, no me obsesiono con el destino, sino que prefiero progresar con calma y aceptar cada avance.
11. Dentro del amplio abanico de motivos de inspiración que alimentan el imaginario pop de tus obras, nos mencionas que aún hay terrenos inexplorados, como el mundo virtual, y, particularmente, los videojuegos. Dices también que estás abierto a aprender en el futuro técnicas de Arte digital. ¿Puede ser que en esa futura etapa de tu carrera ambos factores se den la mano?
Absolutamente, me veo explorando nuevos horizontes artísticos. Mi mente es un lienzo en blanco, siempre dispuesta a recibir nuevas impresiones y conocimientos sin seguir dogmas. Si llego a sentir que mi estilo actual ha alcanzado su plenitud, la idea de evolucionar hacia lo digital, los videojuegos o el mundo virtual me parece fascinante. Pero, por ahora, mi energía está totalmente volcada en profundizar y consolidar mi estilo artístico.
12. Afirmas que un artista debe divertirse durante la búsqueda de su estilo para que su labor no se convierta en un trabajo, pero lo cierto es que, como apuntamos en otra pregunta, quienes quieren ganarse la vida exclusivamente con el Arte inevitablemente deben tomárselo como un trabajo al que dedicarle muchas horas cada día para poder atraer a un público potencial y hacerse un hueco en el mercado, sin perder por ello, claro está, el goce del proceso. Bajo este panorama, ¿cómo te dirigirías a los jóvenes artistas?
Sí, obviamente, si se quiere vivir del arte, es inevitable dedicarle muchas horas y, lógicamente, cualquier actividad que se desarrolle bajo un enfoque profesional es un trabajo. Pero, dentro de muchos trabajos, creo que es de los que más se disfrutan, muy gratificante desde el proceso creativo hasta la finalización de la obra, cada paso es inspirador para seguir con el siguiente, el proceso creativo es un goce para el alma del artista y motivador para la siguiente obra.
A los jóvenes artistas les diría: “Si sientes que el arte te llama de una manera irrefrenable, que es una pasión que te consume, entonces, ¡hazle caso a tu instinto! No ignores esa voz interior que te impulsa a crear. Desarrolla tu creatividad sin límites. Experimenta, prueba cosas nuevas y no tengas miedo de salir de tu zona de confort. Es ahí, fuera de lo conocido, donde realmente crecerás como artista. Atrévete a romper las barreras, a explorar lo desconocido y a encontrar tu propia voz. Sigue tu instinto y no permitas que nadie destruya tu pasión por lo que haces.”
PREGUNTAS CORTAS
- Estilo artístico favorito: POP Art
- Pintura favorita: Las Meninas de Diego Velázquez
- Escultura favorita: Moisés de Miguel Ángel
- Arquitectura favorita: Románico y gótico
- Fotografía favorita: Niña afgana (Sharbat Gula) de Steve McCurry, impresionante la mirada
- Artista favorito@: Te digo dos: Andy Warhol y Antonio López
- Técnica favorita: Óleo
- Museo favorito: Te diría los habituales, pero me encanta el enfoque del MEAM (Museo Europeo de Arte Moderno)
- Galería favorita: Galería Marlborough de Nueva York
- Ciudad favorita: Bueno, no me cierro puertas a ninguna ciudad, así que me quedo con mi Sevilla de mi alma.
