Mariana de John Everett Millais

Ficha técnica

Título: Mariana
Autor: Sir John Everett Millais
Cronología: 1851
Estilo: Prerrafaelismo
Materiales: óleo sobre tabla
Ubicación: Tate Britain, Londres
Dimensiones: 59,7 x 49,5 cm

COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DE MARIANA DE JOHN EVERETT MILLAIS

ANÁLISIS FORMAL

Nos encontramos ante uno de los cuadros más famosos del célebre artista sir John Everett Millais  (Southhampton, 8/6/1829-Kensington, Londres, 13/8/1896).

Se trata de una obra ejecutada en formato vertical, con proporciones casi cuadrangulares, en la que se desarrolla una escena de interior, concretamente, en una hermosa habitación con cierto aire gótico. Se divide en dos planos compositivos bien diferenciados y regidos por una gran línea oblicua, que guía el ojo del espectador por la pintura. 

En el primer plano se halla el único personaje que protagoniza la pieza: una bellísima mujer ataviada con un delicado vestido liso de terciopelo y adornado con un cinturón, siendo su peinado un hermoso recogido. Se encuentra delante de un amplio ventanal de arcos apuntados, orientado hacia el exterior ajardinado en el que se aprecia la presencia de un foso.

El ventanal tiene unas esplendidas vidrieras emplomadas que poseen como motivos decorativos una escena religiosa y heráldica. Bajo dicho ventanal, tenemos el espacio de trabajo de la dama, compuesto por una mesa, en la que vemos una magnífica labor de bordado de estampación floral; y un pequeño taburete de madera acolchado con terciopelo del que se ha alzado para estirar y relajar los músculos de la espalda, pues se puede adivinar que la joven ha pasado largo tiempo enfrascada en el bordado.

Por el suelo de madera se puede advertir la presencia de un pequeño ratón correteando por la habitación y unas cuantas hojas esparcidas por el pavimento.

En el segundo, se puede intuir la silueta parcial de una cama con cortinajes al fondo y, delante de ésta, una lámpara que da luz al pequeño altar que tiene montado, atisbándose un tríptico de arcos apuntados y varios objetos de plata, siendo, dos de ellos, dos jarrones con flores dispuestos en paralelo.

En lo que respecta a la luz y al cromatismo, debemos decir que es una pintura bastante luminosa, pues el artista trabaja de manera soberbia el juego de luces, ya que toda la luz diurna que entra por el ventanal incide directamente sobre la dama, y va perdiendo intensidad a medida que se acerca al segundo plano, que queda algo más ensombrecido, donde sobresale la tímida y mortecina llama de la lámpara que ilumina el altar.

Este juego lumínico influirá sobremanera en la paleta cromática, donde destacan los tonos tierras otoñales muy intensos: rojos, anaranjados, amarillos dorados, rosáceos, morados y marrones; rotos por la presencia de negros, verdes, grises, blancos, y el potente azul marino del atuendo de la fémina.

Llegados a este punto, cabe preguntarse, cuál es la historia de tan bella dama.

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO

Mariana de John Everett Millais
Mariana de John Everett Millais

“Ella sólo dijo: ‘Mi vida es triste, Él no viene’, dijo;

Ella dijo: ‘¡Estoy cansada, cansada, quisiera estar muerta!”

Mariana, Tennyson (1830)

El tema representado es ni más ni menos que el poema Mariana, escrito por el poeta británico Alfred Tennyson en 1830, que se inspira en el personaje de Mariana de Medida por Medida de William Shakespeare (1601-06), cuya historia es la siguiente:

Mariana era una hermosa joven que estaba enamorada de su prometido Angelo, con quien estaba a punto de casarse. Sin embargo, la tragedia llegó a su vida, pues Angelo la rechazó debido a que el barco en el que viajaba su dote se hundió durante un naufragio. Este terrible suceso la obligó a retirarse al campo, donde llevó una vida muy solitaria en una casa rodeada por un foso, y a esperar, anhelante, el retorno de su amado, que trabajaba como diputado del Duque de Viena.

Brillantemente, John Everett Millais, el niño prodigio de los prerrafaelitas, ejecutó una de sus tantas obras maestras.

Autorretrato, sir John Everett Millais, óleo sobre lienzo, 86 x 65 cm, Galleria degli Uffizi, Florencia 1881

Nacido en el seno de una familia acomodada y de ascendencia francesa, demostraría muy pronto sus aptitudes artísticas, tanto es así, que a muy temprana edad sería inscrito en la Escuela de Henry Sass y, tiempo después, entraría en la prestigiosa Royal Academy de Londres, siendo el alumno más joven en la historia de la institución, pues contaba con 11 años cuando hizo su ingreso. Su talento era tal que con 14 años ganaría su primera medalla de plata y con 18 la de oro.

Durante sus años de estudiante en la Royal Academy conocería y haría amistad con los artistas William Holman Hunt y Dante Gabriel Rossetti, con los que fundaría la Hermandad Prerrafaelita en el salón de la casa de sus padres en 1848.

Surgiría como oposición a los preceptos preestablecidos por el arte académico inglés impuestos por sir Joshua Reynolds. Rechazaron el Renacimiento encarnado por Rafael Sanzio y se centraron en la pureza y sinceridad del arte del Quattorcento y medieval.

Contaron con el amparo del crítico John Ruskin, pero la Hermandad vio una pronta renovación con la llegada de una segunda generación, donde Rosetti ejerció como director y colaboró con artistas como William Morris, fundador de las Arts and Crafts, y Edward Burne-Jones.

Como artista prerrafaelita, pintaría grandes obras maestras como la archiconocida Ofelia (1851-52), siendo su modelo Lizzie Siddall, el polémico Cristo en casa de sus padres (1850), o el Retrato de John Ruskin (1853-54), quien apoyaría su carrera hasta que se enamoró Effie Ruskin (de soltera Gray), esposa del crítico y con quien se casó tras el escandaloso divorcio de ella.

Su maestría arrolladora haría que destacara por encima de sus compañeros, y acabaría desligándose de ellos, evolucionando su estilo hacia derroteros más comerciales y del gusto victoriano, donde sobresalieron las escenas infantiles, los paisajes sombríos, y los retratos de grandes personalidades, temas que le proporcionaron fama desmedida y grandes ganancias.

Esta carrera meteórica estaría plagada de reconocimientos, pues sería nombrado miembro asociado (1853); miembro de pleno derecho (1863) y presidente (1896) de la Royal Academy, y se le concedería el título de baronet en 1885.

Volviendo a la obra, se puede ver el gran artista prerrafaelita que fue, ya que, observando la pieza, podemos apreciar todas las características propias del estilo:

-El colorido responde a ese gusto por los tonos vibrantes y brillantes, pues para obtenerlos usaba la técnica de imprimación del fondo blanco húmedo, que consistía en aplicar el color sobre la capa blanca de imprimación húmeda, potenciándolos.

-El detallismo queda patente en:

-Las vidrieras, que se inspiran en las vidrieras de la Capilla del Colegio de Merton, Oxford.

-La plasmación de la naturaleza representada con gran minuciosidad, ya que tenía un don a la hora de observar los elementos naturales y plasmarlos con gran preciosismo en el lienzo. En este caso, advertimos como se fusionan la vegetación del jardín exterior con las hojas sobre el bordado; con el propio bordado; y con las hojas esparcidas por el suelo.

-La ambientación, donde destaca la estética medieval del cuarto.

-El contraste de texturas realizado magistralmente, puesto que podemos apreciar la suavidad del terciopelo mezclado con la rugosidad de las hojas; el brillo de la madera; la plata de las vasijas; el hilo del bordado o los cristales de los vitrales.

-El modelo de mujer. Aquí no escoge una modelo concreta, como era la tónica habitual de la Hermandad, sino que representa el arquetipo de la mujer medieval según los cánones victorianos, a la que ha dotado de cierta sensualidad en la forma en como estira su cuerpo para aliviar el dolor muscular. 

-Y el tema, decantándose por la literatura al escoger el poema de Tennyson inspirado en la obra de Shakespeare. Sin embargo, en la pintura no se plasmó el final feliz que tiene la obra del bardo, sino que se representó el momento de mayor melancolía de la protagonista, creando, por lo tanto, una pintura con fuerte carga simbólica, viéndose esto en:

-La habitación que se presenta, pese a los tonos intensos empleados, como un espacio sombrío, decadente, incluso opresivo, que casa a la perfección con el tema plasmado.

-La propia Mariana. La joven encarna los sentimientos de anhelo, con esa mirada perdida por el ventanal esperando el regreso de su amado; frustración, al clavar con saña la aguja en la labor de bordado y al levantarse y estirarse, y soledad, pues ve cómo pasan los días con monotonía sin que nada novedoso ocurra y sin nadie con quien hablar, incrementado, todo ello, con el ambiente opresivo del cuarto.




Además la joven es de profundas creencias religiosas, ya que reza a diario para aliviar el dolor de sus largos y lánguidos días y ello lo contemplamos en la escena religiosa de la vidriera, una Anunciación, escenaque crea fuerte contraste entre el estado triste de la dama con el momento de júbilo de la Virgen, y el altar.

-Las hojas, el ratón y el bordado que remarcan ese sentimiento de soledad y el paso del tiempo. En lo relativo a las hojas esparcidas por el suelo, observamos como el color va cambiando como claro indicativo del paso de las estaciones.

En cuanto al bordado, alude tanto a la larga tarea que tiene entre manos como a la larga espera por el amado que no llega. Y el ratón, tomado de la obra de Tennyson «el ratón detrás de los revestimientos de madera enmohecidos chilló o desde la grieta miró alrededor», también hace referencia a la soledad y al aislamiento que vive la protagonista.

-El motivo heráldico, el lema y la campanilla inventado por propio artista. La heráldica lleva, por un lado, un lema que reza “In coelo quies”, que significa “en el cielo hay descanso”, sugiriendo el deseo de Mariana de poner fin a su vida y acabar con su sufrimiento, y, por otro, una campanilla que simbolizaría el consuelo o el 20 de enero la víspera de Santa Inés, cuando las jóvenes ponían hierbas en sus zapatos y rezaban a Santa Inés para que les mostrara una visión de su futuro marido.

También puede referirse, indirectamente, a un poema de John Keats sobre La víspera de Santa Inés que habla sobre el anhelo. A modo de conclusión, debemos comentar que Millais expuso por primera vez este cuadro en la londinense Royal Academy acompañado de una placa en la que se inscribió el poema de Tennyson, y complementaba a la obra Claudio e Isabella de William Holman Hunt (1850), que plasmaba el mismo tema. Actualmente, forma parte de los fondos de la Tate Britain y no se halla en exhibición. Posee la firma del autor debajo del ratón que aparece en la esquina inferior derecha.

CURIOSIDADES

Portada del libro

Como curiosidad, el poema de Tennyson y la pintura de Millais fueron motivo de inspiración de la obra literaria Ruth (1853) de la autora británica Elizabeth Gaskell.

BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA

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