COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DE “ÓCULO FINGIDO DE LA CÁMARA DE LOS ESPOSOS»
CONTEXTO HISTÓRICO-ARTÍSTICO
Nos adentramos en uno de los contextos históricos más trascendentales de la Historia del Arte, precisamente, con una de las obras que más nos permiten analizarlo, a pesar de que, triste e incomprensiblemente, su fama no sea tan “popularizada” en el imaginario como lo son otras piezas artísticas del Renacimiento.
A la hora de contextualizar a este majestuoso, el periodo conocido como Renacimiento, es lo que se denominó a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental durante los siglos XV y XVI. Fue un periodo de transición entre la Edad Media y los inicios de la Edad Moderna.
Considerada como una de las épocas de la humanidad más vibrantes en los campos del pensamiento, de las ciencias naturales y humanas, y en las artes (gracias a la importancia e influencia de los mecenazgos), tendría su punto de origen en la bella ciudad italiana de Florencia, extendiéndose con rapidez por el resto del continente europeo.
El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. Precisamente el término “Renacimiento”, se utilizó como reivindicación de ciertos elementos de la cultura clásica griega y romana, y se aplicarían originariamente como una vuelta a los valores de la cultura grecolatina y a la contemplación libre de la naturaleza tras siglos de predominio de un tipo de mentalidad más rígida y dogmática establecida en la Europa medieval, que así es como se ha considerado de manera peyorativa al medievo, por ser ese “oscuro” pasaje que interrumpió los florecimientos clásicos.
En relación a este último aspecto, fue el historiador y artista Giorgio Vasari fue el primero que utilizó la palabra «Renacimiento» (rinascita) para describir la ruptura con la tradición artística medieval, a la que calificaba como un estilo de bárbaros, que más tarde recibirá el calificativo de Gótico. Vasari opinaba que las artes habían entrado en decadencia al hundirse el Imperio romano y solo habían sido rescatadas por los artistas de la Toscana a partir del siglo XIII.
Con el tiempo, varios teóricos han hablado de la catalogación más idónea para este periodo, siendo en el siglo XIX, el historiador francés Jules Michelet, el que establecería el concepto más actual que se ha tenido del Renacimiento, en su obra Renaissance et Réforme, publicada en 1855. Por primera vez, Michelet usó el término en el sentido de un periodo histórico, que abarcaría desde el descubrimiento de América hasta Galileo, y lo consideró más importante por sus desarrollos científicos que por el arte o la cultura.
ANÁLISIS DE LA OBRA
Un aspecto muy determinante sobre la obra que analizamos, es su localización ubicada en la ciudad de Mantua. El conocido como “renacimiento mantuano”, despegó a mitad del siglo XV, bajo el liderazgo de la dinastía Gonzaga (la familia Gonzaga expulsó a los Bonacolsi en 1328, imponiendo su dominio sobre la ciudad que duró hasta principios del siglo XVII) que hizo de la ciudad de Mantua, a pesar del pequeño tamaño de su territorio y de su relativa importancia en la escena europea, una de las cortes más nobles de Europa, en especial, tras el Concilio de Mantua de 1459, cuando Mantua aumentó su prestigio político, confirmando la importancia de la ciudad en la escena italiana, entre los Visconti de Milán y la República de Venecia. Ya centrados al completo en la obra, si hablamos acerca del contexto de la experimentación artística que supuso la pintura del Quattrocento en Italia, la figura de Andrea Mantegna (Isla de Carturo, Padua, 1431‑ Mantua 1506) adquiere una relevancia especial, tanto por sus aportaciones revolucionarias en el campo de la perspectiva, como por su nueva concepción del modelado. La producción de Mantegna podría considerarse como una obra pictórica “moderna” en su momento, que bebe directamente de las fuentes del clasicismo, que él conocía como pocos gracias a su afición al coleccionismo arqueológico.
Además de las habilidades mencionadas, debemos indicar su innovador estudio de la perspectiva, que adquiere valor universal en obras como “La lamentación sobre Cristo muerto” (obra expuesta en la Pinacoteca de Brera en Milán), o el efectismo extraordinario de la obra que tratamos, el óculo fingido de la Cámara de los Esposos del Palacio ducal de Mantua. Sería precisamente el encargo de la decoración de esta sala lo que le haría al artista abandonar su Padua natal, para marchar hacia Mantua a las órdenes del marqués Ludovico Gonzaga. Se trataba de decorar una amplia sala, (se la conoce también como sala picta por su dimensión pictórica) que al parecer fue concebida inicialmente como una salita de música o de exhibiciones, pero que a la larga se conocería universalmente como la Cámara de los esposos, y que constituye un conjunto verdaderamente espectacular.
Centrándonos en la obra a comentar, la estructura del óculo centra la sala en su parte superior, siendo el origen de la bóveda fingida, marcando el lugar adecuado (en su vertical) para observar toda la Cámara y sus representaciones. Evidentemente su origen primigenio bien podría ser el óculo que cerraba la gran cúpula del Panteón, aunque Mantegna lo decora con guirnaldas y una celosía superior que hacen ecos de los mismos elementos utilizados en los muros perimetrales, creando una sensación de espacio unificado.
Sobre ellos vemos asomarse a un conjunto sumamente heterogéneo de personajes sobre los que se ha intentado (sin éxito) buscar una iconografía relacionada: mujeres, putti, un macetero con un naranjo en un equilibrio bastante precario y un pavo real. Lo que todos tienen en común es un cierto sabor humorístico, tanto en las sonrisas pícaras de las mujeres como en los juegos de los putti (alguno incluso se asoma a través de la celosía, arriesgándose a quedar prisionero en ella), el juego de equilibrio inestable de la maceta, apoyada en una simple madera o la «extraña» aparición del pavo real en medio de las figuras humanas. Probablemente se trataba de establecer un contrapunto frente a la severidad y solemnidad de la parte superior.
En definitiva, la obra es todo un prodigio de perspectiva de sotto in sú (de arriba a abajo) a través de fuertes escorzos que prefigura su futuro Cristo muerto, abriendo un camino glorioso hacia los trampantojos del Cinquecento, Manierismo y Barroco.
CURIOSIDADES
-Mantegna realmente estuvo a la altura de las circunstancias y completó una obra en toda la sala que para muchos la convierte en la “habitación más bonita del mundo”.
-Una interpretación del historiador Rodolfo Signorini ve en la escena del techo una representación del ideal de belleza humanístico, inspirada en un texto griego de Luciano de Samosata (120-180 d.C.), El Salón , muy conocido por los intelectuales del siglo XV.
BIBLIOGRAFÍA
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