Pintura

Arte abstracto

BREVE RECORRIDO POR EL ARTE ABSTRACTO

Introducción

Cualquiera que piense en el arte abstracto podrá identificar, muy probablemente y de forma rápida, apellidos como el de Kandinsky, Mondrian, Pollock, Picabia y, en el más actualizado de los casos, algún nombre femenino como el de Hilma af Klint. Seguidamente, estos nombres quedarán asociados geográficamente a la Europa central, del Este y, en buena medida, a la historia soviética, además de tener alguna ligera referencia norteamericana.

En efecto, no es que lo anterior sea erróneo, sino que es lo tradicionalmente conocido. A continuación, se pretende aportar una breve reflexión acerca de la causalidad múltiple del movimiento abstracto, desmonopolizando el foco a la mirada orientalista tradicional con nuevas perspectivas, como una puesta en valor del arte latinoamericano primitivo y su papel en el desarrollo de las vanguardias.

Esto implica, también, apartar ligeramente la mirada del foco contemporáneo de la historia para trazar una perspectiva más transversal, así como afinar la mirada en femenino para comprender que la historia del arte abstracto no corresponde, en efecto, solo a los más famosos artistas masculinos.

Los orígenes conocidos del arte abstracto

Tanto técnica como conceptualmente, la abstracción puede considerarse una evolución de ensayos que comenzaron a practicarse a finales del siglo XIX partiendo de estilos como el romanticismo y el expresionismo alemán.

En este sentido, figuras como John Constable (británico, 1776-1837), Joseph Mallord William Turner (británico, 1775-1851) o James McNeill Whistler (americano, 1834-1903), quienes, partiendo del paisajismo romántico, manifestaron los primeros atisbos de abstracción. Sirva como ejemplo la obra de Constable Seascape sutudy with rain cloud (1827). No obstante, no se alejan del foco geográfico y de género tradicional (hombres europeos).

Der Blaue Reiter (ca.1909), el conocido grupo de expresionistas alemanes Franz Marc, Gabriele Münter, August Macke, Paul Klee, Alexej Jawlensky y Marianne von Werefkin, al que se unió Wassily Kandinsky, fue el trampolín hacia la abstracción. Estos artistas comenzaron a explorar las dimensiones emocional y artística del arte, conectando también con músicos y otros actores a través de diferentes países, culturas y medios.

Lograron así la pluralidad en los avances creativos de sus obras, la cual estará presente en la abstracción. Paralelamente al expresionismo alemán, no es posible omitir la influencia de los artistas de la Secesión de Viena (1895-1918), otro grupo de creadores que buscaba la síntesis de las artes y entre los que destacan los nombres de Gustav Klimt, Adolf Bohm, Wilhelm List o Rudolf Bacher.

Sumergidos ya en el siglo XX, analizando el contexto propio de las vanguardias, puede concluirse que, además del romanticismo y el expresionismo, la abstracción es también el resultado de la evolución del cubismo y el fauvismo.

El primero fue el responsable, desde su variante analítica, del abandono de la figuración, mientras que el fauvismo, con su análisis del uso del color, inauguró el estudio del impacto psíquico y emocional de este elemento, protagonistas en las obras fauves y, en adelante, base fundamental de la conceptualización abstracta.

No obstante, es preciso resaltar que Picasso, creador del cubismo junto con Georges Braque y Cézanne, a su vez, ya estuvo influenciado por el arte primitivo y la obra tardía de El Greco, lo cual puede arrojar un itinerario más complejo a la trazabilidad de los orígenes de la abstracción.

Como vemos, la vanguardia comienza a mostrar inspiraciones ancestrales. Por otra parte, hemos de salvar las distancias con los grandes artistas de la pintura universal, es decir, casos como el de El Greco, Velázquez o Goya, porque, precisamente, su universalidad reside en adelantarse al ensayo de técnicas y conceptos que lego marcaron la contemporaneidad.

Pese a ello, se invita a observar de forma comparativa la Vista de Toledo, de El Greco (1595-1610) y la Montagne Sainte-Victoire, de Cézanne (ca. 1880). Cézanne reprodujo la montaña en múltiples ocasiones, siendo cada uno de los lienzos un ensayo de técnica rupturista y un acercamiento, cada vez más próximo, a la abstracción.

Antes de que Kandinsky publicara su estudio pionero De lo espiritual en el arte (1911), la sueca Hilma af Klint ya había pasado por la Academia de las Artes de Estocolmo y, en lo que respecta su trayectoria personal, también había estado involucrada en corrientes místicas de pensamiento, de lo cual dan cuenta obras como Chaos, Nr. 2 (1906). Asimismo, otras obras de la artista dan cuenta de su evolución desde la figuración a la abstracción, como es el caso de The swan (No. 1), 1914-1915, y The Swan (No. 17), 1915.

Centrándonos ahora en el foco tradicional por antonomasia: ¿Por qué Kandinsky y por qué Rusia? Hemos de traer a colación algunas razones históricas: los inicios del siglo XX coinciden, en Rusia, con la ruptura del régimen tradicional del Imperio y la preparación a una de las revoluciones más rupturistas de la historia: la Revolución bolchevique.

En 1905 ya había tenido lugar el primer ensayo, concluido con la represión del Domingo sangriento. Después, en 1917, llegó la auténtica ‘venganza de los siervos’ (Casanova, 2017: La venganza de los siervos).

En este agitado contexto, la teoría de la abstracción elaborada por Kandinsky se publicaba en 1911: De lo espiritual en el arte. Influenciado por el contexto histórico-artístico de la Europa central, del que había formado parte (Der Blaue Reiter), Kandinsky elaboró un ensayo sobre los que se entendía y se fundamentaba el arte abstracto: el sentido del color, las formas y el cambio en el rumbo espiritual de la Humanidad.

En línea con los valores comunistas, la abstracción se concebía como una herramienta para librarse del materialismo: era el camino para alcanzar el espíritu libre, usando como vehículos el color, la música y el mundo de los sentidos. Así o expresaba en algunas líneas de su ensayo:

El artista tiene una vida compleja, sutil, y la obra surgida de él originará necesariamente, en el público capaz de sentirlas, emociones tan matizadas que nuestras palabras no las podrán manifestar (…). El espectador es hoy incapaz, salvo en excepciones, de tales vibraciones. Desea hallar en la obra de arte una simple imitación de la naturaleza que le sirva para algún fin práctico.

Naturalmente, tal relación (o re-sonancia) no se queda en la superficie: el estado de ánimo de la obra puede profundizarse y modificar el estado de ánimo del espectador.

Tras estas primeras líneas, puede observarse que los itinerarios del viaje tradicional de la modernidad contemporánea se trazan en torno a lo conocido: Rusia, Suecia, Países Bajos, Francia, Alemania, Austria, Gran Bretaña y, por dominio geopolítico del momento, Estados Unidos.

El arte abstracto y su razón primitiva. Latinoamérica y África

Históricamente, el siglo XIX estuvo marcado por los grandes imperios coloniales, que generaron en Occidente la curiosidad y la atracción por lo exótico, desarrollando, consecuentemente, el exotismo en el arte. Antes de que la pintura se imbuyera de esta influencia, la práctica del coleccionismo fue necesaria para acercar y poner en conocimiento a los artistas de las culturas “primitivas”.

En esta línea, y enlazando con el cubismo y las fauves comentadas anteriormente, es sabida la predilección de los vanguardistas Picasso, Braque y Matisse por el coleccionismo, que les llevó a acumular piezas aborígenes de las colonias, tales como máscaras africanas. Estas fueron una influencia fundamental para el desarrollo del cubismo, como prueban Las señoritas de Avignon de Picasso (1907).

Asimismo, Kandisnky reconocía en su obra la necesidad de recurrir a lo primitivo para poder lograr crear un arte emocional que tenga un efecto psíquico en el espectador:

La igualdad de la aspiración espiritual en todo el medio moral espiritual, la aspiración hacia metas que, perseguidas primero, fueron luego olvidadas; es decir, la igualdad del sentir interno de todo un periodo puede llevar lógicamente al empleo de formas que en un periodo anterior sirvieron positivamente a las mismas aspiraciones. Así nació parte de nuestra simpatía, nuestra comprensión y nuestro parentesco espiritual con los primitivos. Como nosotros, esos artistas puros buscaron reflejar en sus obras únicamente lo esencial: la renuncia a lo contingente apareció por sí sola.

Según esta reflexión, podemos entender que la abstracción es, en sí misma, primitiva. Una forma humana natural y pura de lograr el efecto más básico y primario del arte en la Humanidad, partiendo de la naturaleza, pero sin imitarla con fines meramente prácticos, sino como elemento de transición del espíritu.

Mientras que el primitivismo, como movimiento artístico, fue entendido en el siglo XIX como la absorción de lo exótico por parte de los colonos, con objeto de recreo, beneplácito e identidad nacional, Kandinsky lo concibe como la forma pura del arte, la forma más original en la que, en efecto, la figuración no es el objetivo.

Partiendo de estas ideas de Kandinsky, una historiografía más contemporánea nos acerca, de forma más tangible, a la geografía precolombina (esto es, primitiva) del arte abstracto: en Piedra abstracta. La escultura inca: una visión contemporánea (1989), César Paternosto aporta un modelo interpretativo del arte contemporáneo que presta atención a las tipologías escultóricas del Tahuantinsuyo como un esquema de base para la modernidad conocida.

Josef Albers (1888-1976) es otro caso de artista contemporáneo que viajó a Mesoamérica y estudió las formas de la cultura primitiva zapoteca (Oaxaca) como fundamento del arte primitivo geometrizante. En este sentido, son característicos del arte precolombino (que abarca desde lo rupestre hasta lo previamente hispánico) los signos geométricos muy esquemáticos con carácter simbólico, entre los que hallamos líneas rectas, cruces o rectángulos.

Son las pirámides un elemento común en la arquitectura primitiva, como se ha ejemplificado en Monte Albán o en el propio Chicen Itza. En este sentido, sirva como conclusión final a estas reflexiones un nuevo fragmento de Kandinsky, en el que relaciona este elemento con lo espiritual:

Al profundizar en sus propios medios,
cada arte marca los límites que lo separan
de los demás, y este proceso los vuelve a
unir en un empeño interior común. Así se
descubre que cada arte posee sus propias
fuerzas, que no pueden ser sustituidas por
las de otros. De este proceso de unión nacerá
con el tiempo el arte que ya hoy se presiente:
el verdadero arte monumental.
Todo lo que sea profundizar en los tesoros escondidos de un arte, es una valiosa
colaboración en la construcción de la
pirámide espiritual que un día llegará hasta
el cielo.