COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DE SAN FRANCISCO EN ÉXTASIS
La Fe cristiana es un elemento casi íntegro en lo espiritual dentro de lo humano. Es una forma indefinida pero presente, maleable pero firme y que actúa con determinación en el caso siempre necesario. Así sucedieron estos preceptos enunciados en la persona de Francisco de Asís, fundador de la orden franciscana en la clarividente búsqueda de estigmatizar aquello que para él, firme se suponía.
La presencia de las órdenes religiosas durante la inabarcable historia del cristianismo demuestran un desarrollo intelectual y humano como pocas veces podemos encontrar. Claro que en otros ámbitos habrá divisiones dentro de ciertos motivos, mas la representación cultural en el fundamento presente será irrepetible y eternamente recordada.
De esta manera Merisi, llega a plasmar un bastón más de lo cristiano motivado por el inagotable mecenazgo del cardenal Francesco del Monte, que dio cierta repercusión a la carrera de Caravaggio en sus inicios.
Francisco de Asís sube al monte Alvernia en búsqueda de la profunda reflexión y la contemplación, así como un retiro espiritual que se repite en diferentes pasajes bíblicos y religiosos. Allí, en una simbólica y verdadera conexión espiritual recibe los estigmas en sus pies, manos y costado; tal como para Jesús el Nazareno sucedieron estos mismos.
Caravaggio mezcla dicho momento de la vida de Francisco de Asís con su éxtasis, el instante ensordecedor en el que el posteriormente beatificado recibe la más alta presencia de Dios por encima de cualquier obstáculo capaz de inhibir el amor de Dios.
La crítica cristiana fue dura con el lienzo de Caravaggio, mas nunca fue retirado ni reemplazado o hecho de nuevo por su dulzura y contemplación.
Entrando en los asuntos formales y tecnicismos dentro de la obra pictórica, fechada en torno al año 1595 y actualmente expuesta en el Wadsworth Atheneum Harford, museo estadounidense, entendemos que viene siendo un óleo sobre lienzo de claras características barrocas y con más exactitud, caravaggistas.
Se trata de un lienzo particularmente luminoso en lo que a la presencia fisonómica se refiere. Aunque el tenebrismo de Caravaggio ya se asoma en este cuadro y por sorprendente que sea -para aquellos que desconocen el ámbito de la pintura de Caravaggio- esta obra es particularmente luminosa sin pretender serlo.
La composición está formada por un delicado Francisco de Asís con los estigmas ya recibidos. Entre ellos se muestra con claridad la herida en el costado y la posición de la mano puede revelarse como una pose dolorosa e incómoda. En cualquier caso la pose voluminosa sugiere un denso estado de relajación, llegando a ser comparada con la defunción de Jesucristo en otros comentarios relativos a esta misma obra.
Por otro lado, encontramos un arcángel que recoge el instante de sumisión cristiana o el acto de rapto espiritual en el que el misticismo divino envuelve al fundador franciscano. Este, aparece vestido por unas blancas túnicas que presentan una única capa cuasi transparente mostrando la pureza y pulcritud de los mensajeros divinos. Su rostro implica atención, calma y plena disposición ante el joven Francisco de Asís, herido y sumido en un profundo sueño equiparable a otras iconografías -religiosas, también- pertenecientes a Ribera o William Blake, por ejemplo.
La composición piramidal de Caravaggio es espléndida y suave, se ve ampliamente mejorada debido al efecto de profundidad que otorgan los leves destellos claros sobre un fondo tan confundido por la sombra. Existe la vegetación en el fondo pictórico así como la mangata de una luna que imaginamos. La escenografía no descontenta ni defrauda al imaginar una relación entre lo natural y lo marino con lo directamente humano y divino. Las contraposiciones y posiciones frontales propiamente relacionadas con la pintura barroca pueden estudiarse en este lienzo únicamente leyendo entre líneas más allá de lo que vemos a primera instancia.
Fíjese el lector en el detalle bajo de los respectivos volúmenes; los pies de arcángel y santo. La rozadura es mínima y se siente como una leve pincelada capaz de hacer dormir al santo cuando se hace realidad el contacto entre la fina y viva hierba tocada por el rocío de una mañana y la carne. El estudio anatómico, lejos de innovar resulta bastante clásico siguiendo los esquemas anteriores a Caravaggio y perfectamente funcionales.
No existe la tensión en una situación verdaderamente tensa, en la fusión de un alma cristiana con su acreedor y su creencia. Caravaggio interpreta en una escena de la vida del santo un erotismo particular y presuntuoso que sirve como propaganda en una época complicada como fue el Barroco en la Europa del XVII.
Francisco de Asís se desvanece por amor, cae rendido ante la verdad esperanzadora y el sacramento de la Fe que le ha sido anunciado para ser promulgado entre sus fieles. Su encuentro placentero con Dios tuvo lugar en torno al año 1224 y cuatro años después fue canonizado por la iglesia católica reconociendo así para la posteridad su importancia en el catolicismo y en el propio medievo.
Tal fue la satisfacción del milanés mientras ejecutaba el lienzo solicitado que pintó su rostro en el del santo, cosa que no vamos a ver muchas otras veces. Sin lugar a dudas es una pintura significante para la Orden Franciscana y que más allá de su dulzura y serenidad desprende un ambiente espiritual o devoto cumpliendo su función requerida e inicial.
BIBLIOGRAFÍA
- Graham-Dixon, A. (2022). Caravaggio: una vida sagrada y profana (B. Urrutia, Trans.). Taurus.
